On croyait 2026 condamné au grand recyclage des franchises et à la soupe tiède des suites automatiques. Raté : à mi-parcours, l’année cinéma a déjà assez de nerf pour rappeler qu’un box-office peut respirer autre chose que du IP sous perfusion.
Le point de départ est signé Variety, qui a demandé à ses critiques Owen Gleiberman et Guy Lodge de dresser un premier état des lieux des meilleurs films de 2026 “jusqu’ici”. Et leur diagnostic a de quoi faire lever un sourcil dans les bureaux des studios : oui, les recettes grimpent, mais pas seulement grâce aux mastodontes estampillés licence. Les salles ont aussi été nourries par des succès plus inattendus, des horreurs bien senties, des drames indépendants qui mordent, des concerts filmés qui transpirent la sueur et des films de studio qui ont encore une idée derrière la tête. Autrement dit, on n’est pas dans l’âge d’or, mais on n’est plus non plus dans le coma créatif qu’on nous vend si souvent. Le box-office mondial, lui, continue de se remettre de la pandémie et de la grève des habitudes : en 2025, il restait encore en deçà des sommets pré-2020 selon les bilans de marché, mais les signaux de reprise se sont multipliés en 2026 avec des titres capables de faire revenir le public pour autre chose qu’un logo. Et ça, dans une industrie qui adore confondre sécurité et paresse, c’est déjà une petite révolution.
Le vrai sujet, au fond, n’est pas de savoir quels films plaisent à Variety, mais pourquoi cette sélection dit quelque chose de l’état du cinéma américain en 2026 : un système encore dominé par les franchises, mais traversé par des poches de résistance qui refusent de crever.
Les suites ont encore du coffre, mais elles ne font plus la loi
Dans la liste de Variety, les titres les plus visibles ne sont pas forcément les plus paresseux. The Devil Wears Prada 2 joue la carte du retour de flamme médiatique, Toy Story 5 continue de faire de Pixar une machine à mélancolie rentable, et Project Hail Mary ou Michael incarnent cette catégorie de blockbusters qui tentent encore de conjuguer ampleur et émotion. Rien de nouveau sous le soleil hollywoodien ? Pas si vite. Ce qui saute aux yeux, c’est que ces films ne sont pas cités comme de simples produits dérivés, mais comme des œuvres qui ont su provoquer un vrai plaisir de spectateur. On peut toujours rire du mot “plaisir” quand il sort d’un bilan industriel, mais il faut bien reconnaître que le public ne se déplace pas seulement pour cocher une case de franchise. Il veut qu’on l’embarque, qu’on le surprenne, qu’on lui rende ses deux heures sans lui donner l’impression d’avoir signé un contrat de fidélité à vie. Le studio system n’a pas disparu ; il a juste compris qu’une suite sans âme, c’est un tir dans le pied avec effets spéciaux.
Le frisson, ce vieux moteur qui ne cale pas
Le plus beau coup de semonce de cette première moitié d’année vient peut-être de l’horreur. Obsession, petit film de genre au budget inférieur au million de dollars, a dépassé les 200 millions de recettes, au point de damer le pion à un nouveau Star Wars dans la course printanière du box-office. Rien que ça. Le scénario de départ n’a rien d’un miracle cosmique : un garçon amoureux formule un vœu, et le désir devient piège. Mais Curry Barker, pour son premier long métrage, transforme ce canevas en machine à malaise très contemporaine, où l’obsession amoureuse croise la toxicité des rapports de pouvoir, le narcissisme de la masculinité en ligne et même les angoisses liées à l’IA. Voilà le genre de film qui rappelle une évidence que Hollywood oublie régulièrement : l’originalité ne consiste pas à inventer un concept jamais vu, mais à le charger d’électricité. Quand un chiche budget fait mieux qu’un paquebot de studio, la hiérarchie des puissants commence à sentir le vieux cuir.
Ce succès n’est pas isolé. Backrooms a aussi montré que le public pouvait suivre un film de genre venu d’ailleurs, sans packaging de super-héros ni univers étendu à rallonge. On parle souvent de la “poule aux œufs d’or” des franchises, mais l’année 2026 rappelle qu’un bon vieux frisson bien emballé peut encore rapporter gros sans demander la permission à l’Olympe des majors. Et ça, franchement, ça fait plaisir.
Le retour du cinéma qui ose lever la main
À côté des gros morceaux, la sélection de Variety met en avant des films indépendants qui ne se contentent pas d’exister à l’ombre des géants. Is God Is, premier film d’Aleshea Harris, a débarqué presque en catimini alors qu’il aligne un casting qui ferait saliver plus d’un distributeur : Kara Young, Mallori Johnson, Sterling K. Brown, Janelle Monáe, Vivica A. Fox. Le film suit deux sœurs marquées par des violences d’enfance et lancées dans une vengeance qui tient autant du théâtre radical que du cinéma d’exploitation. C’est précisément ce mélange qui le rend précieux : il ne demande pas pardon pour sa rage, ne lisse pas ses angles, ne confond pas l’audace avec la joliesse. Le cinéma indépendant n’a pas besoin d’être sage pour être lisible ; il a surtout besoin d’être habité.
Dans un autre registre, The Invite joue la comédie de mœurs en mode mineur vénéneux, avec Olivia Wilde à la réalisation et un quatuor qui transforme un dîner de voisinage en champ de bataille sentimental. Our Hero, Balthazar, lui, regarde les réseaux sociaux droit dans les yeux et en tire un portrait d’adolescent riche, vide et performatif, comme si l’ère du selfie avait fabriqué ses propres monstres. Ce n’est pas seulement “dans l’air du temps”, expression qu’on devrait bannir avec la même énergie qu’un reboot inutile ; c’est surtout le signe qu’une partie du cinéma américain continue de parler du présent sans le maquiller en nostalgie de marque. Quand le film regarde les gens vivre, mentir, se vendre et se perdre, il retrouve sa sale bonne santé.
Le concert filmé, ce vieux truc qui revient en costard
Autre surprise de cette première moitié d’année : la place prise par les spectacles captés pour le grand écran. EPiC: Elvis Presley in Concert, remonté à partir d’archives restaurées de Las Vegas, fait d’Elvis non pas une relique de musée mais une bête de scène encore électrique. Baz Luhrmann, qui n’a jamais eu peur du trop-plein, transforme ces images en objet de cinéma à part entière, pas en simple capsule patrimoniale. Même logique du côté de Billie Eilish: Hit Me Hard and Soft, qui rappelle que le concert filmé n’est pas un sous-genre honteux mais une manière de réinventer la présence scénique pour la salle obscure. On peut toujours snober ça au nom de la “pureté” du cinéma, mais ce serait oublier qu’Hollywood a toujours aimé les formes hybrides dès lors qu’elles remplissent les fauteuils. Le spectacle filmé n’est pas un plan B : c’est parfois le seul endroit où l’image retrouve du souffle.
Et puis il y a les films qui refusent de choisir entre le grand public et la singularité. Power Ballad, avec Paul Rudd en rocker déclassé, parle de musique, de propriété, de rêves volés et de l’industrie qui broie les seconds rôles. Rose of Nevada marie la science-fiction à la rugosité ouvrière sur pellicule 16 mm. Silent Friend ose une méditation sur les arbres, le temps et la communication interespèces sans tomber dans le délire new age de supermarché. Ce sont des objets qui tiennent parce qu’ils ne cherchent pas à ressembler à ce qu’on attend d’eux. Ça paraît simple, mais dans un système obsédé par la répétition, c’est presque subversif. L’audace, en 2026, consiste parfois juste à ne pas prendre le public pour un client captif.
Alors oui, on peut toujours se moquer des bilans à mi-année, des classements, des listes et de la petite musique des “tendances”. Mais si l’on en croit ce premier panorama, 2026 n’est pas l’année du cinéma sauvé par miracle ; c’est mieux que ça. C’est l’année où le cinéma rappelle, sans faire de grands discours, qu’il sait encore attirer les foules quand il a une idée, une voix, une pulsation. Le reste, comme d’habitude, peut aller se rhabiller.
Journaliste citoyen depuis plus de 20 ans, passionné de cinéma et réalisateur de courts-métrages sur mon temps libre.
