Les Backrooms n’avaient déjà rien d’un simple petit délire internet ; avec Backrooms: Everything Must Go, Kane Parsons pousse encore le bouchon, comme si le labyrinthe numérique refusait obstinément de se refermer. Et franchement, qui aurait parié qu’une creepypasta née dans les couloirs moisis du web finirait par réclamer sa version étendue, ses images inédites et sa petite scène après le générique, comme un vrai blockbuster qui a appris les codes du système ?
Pour rappeler le décor, le phénomène Backrooms ne sort pas de nulle part. Il vient d’une image devenue virale au début des années 2010, puis d’un imaginaire collectif bricolé à coups de couloirs jaunâtres, de moquette fatiguée et de terreur sans monstre clairement identifié. Kane Parsons, lui, a transformé ce matériau en objet audiovisuel hybride, à mi-chemin entre le film d’horreur artisanal et l’expérience de plateforme pensée pour l’algorithme. Le succès de cette matière-là tient à peu de choses et à beaucoup de flair : une esthétique pauvre en apparence, mais redoutablement reconnaissable ; un récit qui préfère l’angoisse de la répétition à la mécanique du jump scare ; et surtout une capacité à faire croire qu’on a tous déjà vu cet endroit en rêve. Ou en cauchemar, selon le niveau de fatigue.
Dans ce contexte, l’annonce d’une version étendue n’a rien d’un simple bonus pour collectionneur. C’est presque la logique naturelle de l’objet. Les films nés du web vivent désormais sous le régime de la rallonge permanente : version longue, montage alternatif, séquence cachée, teasing de suite, tout est bon pour prolonger la circulation d’un titre qui doit rester visible dans un flux saturé. Le cauchemar, aujourd’hui, doit aussi savoir se vendre en plusieurs couches.
Quand le couloir s’allonge, le mythe aussi
Ce qui change avec cette version étendue, ce n’est pas seulement la durée ou l’ajout de quelques plans. C’est la manière dont Kane Parsons consolide son univers. Une scène post-générique, dans ce cas précis, n’est pas un gadget importé d’Hollywood par accident ; c’est un signal. On nous dit que la fiction ne s’arrête pas à la dernière image, qu’elle continue de ramper hors du cadre, comme si l’espace lui-même restait contaminé. Le procédé est connu, bien sûr, mais il prend ici une saveur particulière : faire du hors-champ un moteur narratif, c’est presque la définition des Backrooms.
Il y a là un joli petit paradoxe. Plus l’œuvre s’agrandit, plus elle prétend rester minimale. Plus elle ajoute de matière, plus elle continue de faire semblant d’être un artefact trouvé, une anomalie captée au vol, un truc pas tout à fait fini. C’est du bricolage très conscient de lui-même, et c’est précisément ce qui le rend intéressant. On n’est pas dans la naïveté d’un premier essai, mais dans une stratégie de consolidation : garder l’aura de l’accident tout en maîtrisant de mieux en mieux la machine. Pas idiot, le garçon.
La peur en mode extension de domaine
Le cas Backrooms dit aussi quelque chose de l’époque. Les grandes franchises ont longtemps monopolisé l’idée d’univers étendu, mais le web a appris à faire pareil avec trois fois moins de moyens et dix fois plus de vitesse. Une idée visuelle forte, une communauté qui s’en empare, un cinéaste qui formalise le bazar, puis une version augmentée qui remet une pièce dans le jukebox. On connaît la chanson, sauf qu’ici elle sort d’un ascenseur qui sent le néon grillé.
Ce qui frappe, c’est la façon dont Kane Parsons travaille la continuité sans tuer le mystère. Il ne cherche pas à tout expliquer, et c’est tant mieux. L’erreur classique, avec ce genre de matière, ce serait de vouloir transformer l’angoisse diffuse en lore bavard, en mythologie à tiroirs, en encyclopédie de la peur. Là, le film semble préférer l’inconfort à la sur-explication. Et c’est souvent là que l’horreur gagne : quand elle laisse encore un peu de vide pour qu’on y mette le nôtre.
Le bonus qui n’en est pas un
Une scène post-générique dans un projet comme celui-ci, ce n’est pas seulement un clin d’œil aux spectateurs les plus attentifs. C’est aussi une manière de contracter une dette. On promet qu’il y a encore quelque chose derrière la porte, qu’un autre niveau attend, qu’un autre recoin du labyrinthe mérite d’être exploré. En somme, la version étendue devient un acte de foi dans la durée de vie du mythe. Et dans une industrie où tout doit être rentabilisé, recyclé, prolongé, le geste est presque trop logique pour être innocent.
Reste que Backrooms: Everything Must Go a un atout rare : il sait que son pouvoir vient moins de son intrigue que de sa texture. Le film n’a pas besoin de faire semblant d’être un grand récit classique ; il lui suffit d’entretenir cette sensation de lieu impossible, de couloir qui se répète, de monde qui bugue. C’est modeste en apparence, mais redoutablement efficace. Le vrai monstre, ici, ce n’est pas la créature qu’on aperçoit peut-être au fond du cadre : c’est la logique même du lieu, qui ne veut jamais vous rendre la sortie.
Et c’est peut-être ça, la bonne nouvelle pour Kane Parsons : tant que le labyrinthe continue de s’étendre, on continuera d’y entrer. Par curiosité, par masochisme, ou parce qu’on aime bien se faire peur dans des couloirs sans fin. Après tout, le cinéma d’horreur a toujours adoré les endroits où l’on se perd. Les Backrooms, eux, ont juste compris comment en faire une méthode.
Bande-annonce VF de Backrooms
Journaliste citoyen depuis plus de 20 ans, passionné de cinéma et réalisateur de courts-métrages sur mon temps libre.
