Critique de The Testament of Ann Lee : Amanda Seyfried Brille de Mille Feux dans ce Musical Époustouflant

Critique de The Testament of Ann Lee : Amanda Seyfried Brille de Mille Feux dans ce Musical Époustouflant

Certains films ne cherchent pas à plaire au plus grand nombre : ils cherchent à créer un état. The Testament of Ann Lee appartient à cette famille rare d’œuvres qui ne se contentent pas de raconter une histoire, mais tentent d’organiser une expérience sensorielle, presque physiologique. On peut rester à distance, se demander “où cela veut en venir”, ou accepter d’être saisi par un mouvement intérieur — comme si la mise en scène, plus que les dialogues, parlait directement au corps. C’est un pari risqué, et précisément pour cela passionnant.

Un musical spirituel qui marche sur une ligne de crête

Signé Mona Fastvold (scénario coécrit avec Brady Corbet), le film s’avance sur un terrain délicat : celui d’une foi vécue comme énergie collective, sans ironie protectrice et sans didactisme. Le point de départ s’ancre au XVIIIe siècle, autour d’Ann Lee, figure fondatrice des Shakers, communauté religieuse pour laquelle le chant et la danse ne relèvent pas de l’ornement, mais d’un langage. La démarche pourrait prêter à la caricature — le folklore, l’exotisme d’époque, la “secte” comme spectacle — mais Fastvold choisit une autre voie : regarder ce monde de l’intérieur, dans sa logique et ses contradictions, et laisser le spectateur décider de ce qu’il croit, ou non.

Ce positionnement donne au film une tonalité singulière : séculier par sa lucidité, spirituel par son souffle. On n’assiste pas à une démonstration théologique, mais à la mise en forme d’une intensité. Et c’est là que le musical devient plus qu’un genre : une méthode de perception.

Amanda Seyfried : une incarnation sans vitrine

Il y a des performances qui s’imposent par la virtuosité, d’autres par la justesse. Ici, Amanda Seyfried réussit un équilibre plus rare : donner à Ann Lee une présence qui semble à la fois terriblement humaine et déjà tirée vers autre chose. Le film demande beaucoup à son interprète principale : tenir la contradiction entre la femme blessée (dans son intimité, ses deuils, ses renoncements) et la figure quasi messianique que son entourage projette sur elle. Seyfried ne “joue” pas la sainteté, elle laisse affleurer un mélange de ferveur, d’épuisement, de dureté par instants, comme si la vocation se payait au prix d’une chair qui résiste.

Son travail vocal participe de cette impression : la voix n’est pas lissée pour séduire, elle sert le récit, elle porte des aspérités, des souffles, une fragilité tenue. Là où beaucoup de musicals contemporains privilégient la performance comme numéro, The Testament of Ann Lee transforme le chant en acte — parfois prière, parfois exutoire, parfois ordre.

Récit en fable : “certains disent que…”

Le film adopte une structure qui ressemble davantage à une fable qu’à un biopic. La narration — portée par Mary Partington, proche d’Ann (interprétée avec une douceur attentive par Thomasin McKenzie) — installe un filtre : l’histoire se raconte comme une tradition, un récit transmis, une suite de scènes dont on ne peut jamais vérifier la pure exactitude. Cette distance n’affaiblit pas le film ; elle le rend plus intéressant. Elle suggère que ce qui compte n’est pas “ce qui s’est réellement passé”, mais comment une communauté fabrique du sens et se soude autour d’un récit partagé.

Ce choix protège l’œuvre d’un piège fréquent : l’alternative stérile entre hagiographie et démystification. Fastvold ne demande pas au spectateur d’adhérer, elle l’invite à observer ce mécanisme de croyance — ce moment où l’intime devient collectif, où le privé bascule dans le politique, où le corps devient doctrine.

Chant, transe, chorégraphie : le corps comme texte

La grande réussite formelle du film tient à sa manière de faire de la danse un langage dramatique. La chorégraphie (signée Celia Rowlson-Hall) possède une qualité paradoxale : elle semble surgir comme une impulsion, et pourtant tout indique un travail d’architecture précis. Les gestes se répondent, se contaminent. Les groupes se forment, se défont, se recomposent. Le mouvement n’illustre pas l’émotion, il la produit.

Le spectateur ressent alors ce que l’histoire raconte : une extase qui n’est pas seulement idée, mais physique. Les corps se tordent, s’inclinent, vibrent dans des espaces souvent dépouillés ; la mise en scène capte cette énergie sans en faire une attraction. On est loin du musical “spectacle” : ici, la danse peut être belle, oui, mais elle est surtout nécessaire.

Des hymnes Shakers réinventés : une musique qui inquiète autant qu’elle élève

La musique, travaillée à partir d’hymnes Shakers réarrangés par Daniel Blumberg, évite la séduction immédiate. Ce ne sont pas des mélodies conçues pour accrocher l’oreille à la première écoute ; elles agissent autrement, par répétition, par tension, par une forme d’austérité mélodique qui finit par ouvrir un espace mental. Certaines séquences laissent une impression durable, comme si le film avait trouvé un moyen de filmer la musique non pas en “intermède”, mais en force invisible.

Et le choix de faire chanter les acteurs eux-mêmes renforce ce sentiment. Tout n’est pas parfait, et tant mieux : l’imperfection devient signe d’appartenance, d’effort partagé, de communauté. La beauté ne naît pas ici d’un poli de studio, mais d’une présence.

Mise en scène et photographie : glisser dans la ferveur

La caméra de William Rexer se distingue par une fluidité qui n’est jamais décorative. Elle accompagne les foules, traverse les pièces pleines, respire dans de vastes espaces extérieurs, et sait aussi s’arrêter sur un visage, un détail, une main. Le film joue constamment sur le passage entre l’intime et le collectif : une émotion individuelle devient une chorégraphie ; une décision intérieure devient un rite.

Ce travail de cadre et de circulation rappelle que la mise en scène peut être une forme de pensée. Fastvold met en place des images qui ne “commentent” pas la foi : elles la matérialisent, avec tout ce que cela peut comporter d’élévation, mais aussi de pression sociale. Car dans cet univers, la ferveur rassemble — et enferme parfois.

Le deuil, le renoncement, et la radicalité de l’abstinence

Sans entrer dans le détail des événements, le récit fait du deuil un point de bascule : quelque chose se brise, et de cette fracture naît une doctrine du renoncement. L’idée d’abstinence n’est pas traitée comme simple “règle” religieuse : elle devient le symptôme d’un rapport au monde, d’une volonté de pureté, d’une tentative de maîtriser la douleur par un système. Le film observe ce mouvement avec sérieux, sans se moquer, mais sans aveuglement non plus.

À ce titre, la relation entre Ann et Abraham (interprété par Christopher Abbott) apporte une friction dramatique essentielle. Là où la communauté cherche à sublimer le désir, le couple révèle ce que cette sublimation coûte : les tensions, l’incompréhension, la fatigue, l’écart entre l’idéalisme et la chair. Abbott donne à Abraham une densité qui évite le rôle ingrat du simple “obstacle” : il incarne un monde où la foi ne suffit pas à remplacer le vivant.

Une traversée et un territoire : l’Amérique comme promesse narrative

Le film s’élargit ensuite à la persécution, au départ, à l’idée d’exil et de recommencement. La traversée vers l’Amérique, pensée comme épreuve, devient un morceau de cinéma où le collectif se teste : le regard des autres, la rudesse du voyage, le frottement entre la croyance et la matière. La communauté n’y gagne pas seulement un lieu ; elle y gagne un récit fondateur, une dramaturgie de la résistance qui consolide la légende.

Ce déplacement géographique agit aussi comme une bascule esthétique : l’espace s’ouvre, la mise en scène respire autrement, et l’on sent que le film s’intéresse à la naissance d’un mythe communautaire autant qu’à l’itinéraire d’une femme.

Regarder la foi sans la valider : l’intelligence d’une position

Ce qui impressionne, c’est la capacité du film à tenir une posture critique sans cynisme. The Testament of Ann Lee n’a pas besoin d’affirmer qu’Ann Lee est “vraiment” ce que ses fidèles croient voir en elle. Il s’intéresse plutôt à la fabrication d’une certitude collective : comment une parole devient autorité, comment un charisme devient structure, comment une communauté a besoin de signes et de récits pour durer.

À l’heure où beaucoup d’œuvres sur la religion choisissent soit la dénonciation frontale, soit l’emballage mystique, Fastvold préfère la zone grise : celle où la foi peut être à la fois beauté, outil, refuge et pouvoir. Cet entre-deux rend le film plus adulte, plus ouvert, et finalement plus troublant.

Critique de The Testament of Ann Lee : Amanda Seyfried Brille de Mille Feux dans ce Musical Époustouflant

Quand le film exige du spectateur un abandon (et pourquoi ce n’est pas pour tout le monde)

Il faut le dire franchement : le film peut laisser à l’écart ceux qui attendent d’un musical une progression narrative rapide, des “tubes”, des scènes pensées comme des climax spectaculaires. Ici, le rythme relève davantage de l’onde que de la percussion. La répétition, les motifs, la durée de certains mouvements peuvent être perçus comme hypnotiques ou, au contraire, comme éprouvants — selon la disponibilité de chacun.

Mais c’est aussi la cohérence du projet : Fastvold fabrique un cinéma de la transe contrôlée, où l’on n’applaudit pas un numéro, où l’on s’interroge sur ce que l’on ressent. Cette exigence, dans le paysage actuel, a quelque chose de salutaire, parce qu’elle ne court pas après l’assentiment immédiat.

Échos et voisinages : un cinéma qui dialogue en silence

Dans son rapport au sacré et au corps, le film peut évoquer certains gestes d’un cinéma qui travaille la ferveur comme matière — non pas pour “faire religieux”, mais pour questionner l’adhésion. On pense aux œuvres qui utilisent la musique et la chorégraphie non comme divertissement, mais comme structure du désir et du groupe. Fastvold s’inscrit dans cette lignée discrète : celle où la mise en scène devient le lieu d’un débat intime entre liberté et règle, individu et communauté.

Ce dialogue avec d’autres formes narratives se lit aussi dans la manière de construire une légende. À ce titre, il est intéressant de rapprocher cette mécanique du récit transmis — “on raconte que…” — d’autres œuvres qui jouent avec la mémoire et la réécriture. Dans un registre totalement différent, certaines réflexions sur l’adaptation et le mythe se croisent avec ce que l’on peut lire dans des analyses comme celle-ci : https://www.nrmagazine.com/comte-monte-cristo-critique/.

La précision, jusqu’où ? Ce que la beauté peut lisser

Si l’on cherche une réserve, elle se situe peut-être dans l’équilibre entre immersion et opacité. À force de privilégier l’expérience, le film accepte de laisser certaines zones psychologiques en retrait, comme si la logique rituelle devait primer sur l’explication. C’est un choix défendable, mais il peut créer une distance : certains personnages existent surtout comme vecteurs d’un mouvement collectif.

En même temps, cette relative abstraction est compensée par l’incarnation de Seyfried, qui maintient une tension humaine dans un dispositif qui pourrait autrement se refermer sur son propre cérémonial. C’est elle qui empêche le film de se transformer en objet purement plastique.

L’actualité en creux : communautés, récits, contrôle

Sans plaquer un discours contemporain, le film résonne avec notre époque par des questions très simples : qu’est-ce qui fait communauté ? comment un groupe gère-t-il ses données intimes — ses secrets, ses règles, ses récits — et qui en devient le dépositaire ? Cette idée de circulation et de conservation du “contenu” collectif trouve un écho curieux dans des sujets en apparence éloignés, comme la manière dont nos sociétés stockent, protègent, centralisent leurs informations : https://www.nrmagazine.com/protection-donnees-data-centers/.

La comparaison n’est pas littérale, elle est structurale : un groupe survit par ce qu’il conserve, par ce qu’il répète, par ce qu’il sanctuarise. Chez les Shakers, ce sont des hymnes, des gestes, une discipline. Chez nous, ce sont des archives, des serveurs, des récits médiatiques. Dans les deux cas, se pose la question du pouvoir : qui organise la mémoire, et dans quel but ?

Entre croyance et spectacle : le contre-exemple d’un “numéro” permanent

Le film prend aussi le contrepied d’une tendance contemporaine à tout transformer en show — y compris la violence, la morale, la satire. Quand certaines séries misent sur l’outrance comme moteur, Fastvold choisit la retenue et la lente montée. Pour réfléchir à ce contraste, on peut jeter un œil à des lectures très différentes du rapport au spectacle, par exemple ici : https://www.nrmagazine.com/critique-boys-serie/. D’un côté, la surenchère et l’hystérie comme commentaire du monde ; de l’autre, la discipline et l’écoute comme méthode de cinéma.

Figures d’autorité : naissance d’un “vilain” ou fabrication d’une sainte ?

Un des angles les plus fins du film consiste à ne jamais trancher totalement entre la sainte et la stratège, entre l’inspirée et la dirigeante. Cette ambiguïté, loin de “salir” le personnage, le rend plus vrai : toute figure d’autorité durable doit composer avec le récit qu’on projette sur elle, et avec la part de contrôle nécessaire pour maintenir une trajectoire.

Cette fabrication d’icône — positive ou négative — rappelle, par contraste, comment la fiction populaire construit ses antagonistes et ses figures de pouvoir. À ce sujet, la manière dont un acteur réfléchit à l’héritage des grands “méchants” peut être éclairante, même dans un univers très éloigné : https://www.nrmagazine.com/paul-giamatti-de-starfleet-academy-puise-son-inspiration-pour-son-nouveau-mechant-dans-le-plus-grand-vilain-de-star-trek/. Ce que montre The Testament of Ann Lee, c’est que la société fabrique aussi des figures absolues du côté du sacré — pas seulement du côté du mal.

Fragilité et risques : ce que le film dit sans l’exploiter

Le récit traverse des événements tragiques, et l’une des qualités morales du film est de ne pas les instrumentaliser. Il y a une pudeur dans la façon de filmer la douleur, comme si Fastvold refusait d’en faire un carburant émotionnel trop facile. Dans un paysage médiatique où l’accident, le fait divers, le choc sont souvent traités comme matière brute à consommer, cette retenue fait presque figure de position politique. Elle contraste avec la circulation rapide de récits dramatiques tels qu’on en rencontre dans l’actualité : https://www.nrmagazine.com/accident-fillette-maine-et-loire/.

Le film, lui, cherche autre chose : non pas l’impact immédiat, mais la durée d’une impression. Il demande : comment vit-on après ? comment une communauté transforme-t-elle la perte en structure ? et jusqu’où peut-on sublimer la souffrance sans se perdre soi-même ?

Ce que l’on emporte : une question plus qu’une thèse

Au fond, The Testament of Ann Lee interroge moins la religion que la puissance du croire — croire en une personne, en une idée, en un futur commun, en une discipline qui promet de réparer le chaos. Et la performance de Seyfried devient le cœur battant de cette interrogation : son Ann Lee ne réclame pas l’adhésion, elle impose qu’on la regarde longtemps, sans certitude confortable, jusqu’à sentir ce qui, en nous, résiste… ou cède.