Il y a des suites que l’on attend comme une promesse de retrouvailles, et d’autres qui naissent d’un malentendu productif : un succès public qui oblige l’industrie à remettre la pièce dans la machine, même quand la mécanique initiale tenait à un équilibre fragile. The Housemaid, thriller volontairement excessif, à la fois ricanant et cruel, appartient plutôt à la seconde catégorie. L’annonce d’un second volet ressemble à une évidence économique… et à une énigme artistique : comment prolonger un film dont l’aimant principal n’était peut-être pas son héroïne désignée ?
Je parle ici de l’obstacle de taille qui attend la suite : la possibilité très concrète que Sydney Sweeney se retrouve à porter la continuité dramatique d’une franchise en devenir, alors que le premier film devait une grande part de son plaisir à une autre présence, plus imprévisible, plus toxiquement lumineuse. Ce n’est pas une attaque contre Sweeney – c’est une question de construction de récit, de distribution et de mise en scène. Et donc, au fond, de cinéma.
Un hit inattendu, un genre piégé : pourquoi The Housemaid appelait une suite… sans la garantir
Sorti fin 2025 et propulsé par un bouche-à-oreille étonnamment robuste, The Housemaid s’est imposé comme une curiosité populaire : un thriller “camp” au gore assumé, plus drôle qu’il n’en a l’air, et surtout construit comme une machine à retournements. Lionsgate, logiquement, appuie sur l’accélérateur. La confirmation du retour de Paul Feig à la réalisation, et de Sweeney à l’affiche, indique une volonté de stabiliser une formule : même ton, même héroïne, variations autour d’un même schéma.
Le problème, c’est que le film d’origine jouait sur une tension particulière : un décor domestique trop lisse, une maison “parfaite” qui sonne creux, et une violence conjugale traitée comme un noyau dramatique que le film enveloppe d’artifices de genre. Le mélange fonctionne tant que la mise en scène garde une certaine ambivalence : on rit, puis on se fige. Or une suite, surtout si elle cherche à “répéter” la recette, risque de transformer cette ambivalence en simple programme.
Pour approfondir ce que Feig revendique dans sa grammaire visuelle, je recommande cette lecture qui éclaire très bien ses références et sa méthode : https://www.nrmagazine.com/paul-feig-realisateur-de-the-housemaid-sinspire-des-techniques-dalfred-hitchcock-interview-exclusive/. On comprend mieux pourquoi The Housemaid ne se contente pas de “raconter” : il chorégraphie l’information, organise les secrets, et traite la maison comme un plateau mental.
Ce que racontait vraiment le premier film (sans s’y réduire)
Prenons garde aux spoilers : la force du premier film tient à sa gestion du point de vue et à son talent pour requalifier ce qu’on croyait voir. Au départ, Millie (Sweeney) sort de prison, cherche un emploi, et accepte un poste de domestique assorti d’un logement. Le détail du logement est déjà une idée de cinéma : une chambre en hauteur, étriquée, presque irréelle, avec une porte dont l’usage dit tout avant même que le récit ne l’explicite. Le décor ne “symbolise” pas : il contraint. Et le cadre, en s’y attardant, fabrique une inquiétude physique.
La dynamique du couple employeur – la maîtresse de maison et son mari – installe ensuite une dramaturgie de façade. Le film s’amuse à faire clignoter les indices, comme un thriller à l’ancienne qui connaîtrait la jouissance de ses propres ficelles. Mais il ne tient que parce que les acteurs y injectent une instabilité permanente, un flottement de tonalité. C’est là que se loge l’un des paradoxes : Millie est le centre narratif, pourtant l’énergie qui électrise le film vient surtout d’ailleurs.
L’obstacle de taille : l’absence potentielle d’un moteur dramatique
Dans l’imaginaire du public, un succès se résume souvent à un titre, un concept, une actrice “tendance”. Dans la réalité d’un film, ce qui fait tenir l’ensemble peut être plus fragile : une alchimie, un contrepoint, une performance qui densifie tout ce qu’elle touche. Or la suite littéraire dont s’inspire la continuité (dans l’esprit, sinon dans la lettre) ne mettrait pas au premier plan le personnage de Nina Winchester. Et si l’adaptation suit cette logique, cela signifie un film où l’élément le plus électrisant du premier volet ne serait plus là.
Pourquoi est-ce un obstacle “de taille” ? Parce que le premier film a trouvé une vibration très particulière : une figure de femme riche, nerveuse, imprévisible, à la fois drôle et inquiétante, qui faisait basculer chaque scène dans une zone grise. Cette présence n’était pas un simple “second rôle marquant” : elle structurait le film comme une force de gravité. Sans elle, la suite peut certes fonctionner… mais elle devra inventer un autre centre, un autre trouble, un autre tempo.
En clair : on peut faire une suite avec Millie comme fil rouge, mais il faut remplacer une énergie de scène, pas seulement un personnage. Et ça, en cinéma, c’est plus difficile que de changer un décor ou un twist.
Sydney Sweeney face à un défi de cinéma : exister au-delà du dispositif
Sweeney a un talent très contemporain : elle sait jouer la perméabilité, la survie, ce mélange de dureté et de fatigue qui laisse toujours passer une fêlure. Le premier film l’utilise souvent comme une surface de projection : Millie observe, encaisse, calcule. C’est un choix cohérent avec une narration fondée sur le secret. Mais c’est aussi une limite si l’on veut bâtir une saga : à force de protéger son héroïne derrière le mystère, on la prive parfois de l’excès qui fait les grandes figures de thriller.
La suite, si elle s’organise à nouveau autour d’un nouveau foyer riche, d’un couple “parfait” et d’une violence dissimulée, risque de répéter une structure où Millie est la variable “fonctionnelle” : elle arrive, elle détecte, elle déplace les pièces. Or un personnage récurrent ne peut pas rester un outil ; il doit devenir une forme. Il faut que la mise en scène la rende imprévisible, qu’elle prenne des décisions qui ne soient pas seulement des réponses au scénario mais des expressions de tempérament.
Autrement dit, l’obstacle n’est pas “Sweeney n’y arrivera pas”. L’obstacle, c’est de transformer une héroïne efficace en héroïne nécessaire. Cela se joue dans le cadre, dans le rythme, dans la manière de filmer les temps morts, les contradictions, les micro-violences du quotidien. Cela se joue aussi dans l’écriture : si Millie devient une sorte de “dépanneuse” morale qui traverse les maisons pour y réparer les maris monstrueux, on bascule vers la mécanique. Et la mécanique, en thriller, finit toujours par se voir.
Paul Feig : du pastiche au contrôle, le fil Hitchcockien
Feig est souvent réduit à son sens de la comédie, mais ses thrillers aiment surtout le mensonge social : les sourires comme maquillage, le chic comme camouflage, la politesse comme méthode d’écrasement. Dans The Housemaid, il pousse le curseur vers une stylisation plus baroque, presque une jubilation de l’horreur domestique. Le risque, pour la suite, serait de comprendre cette stylisation comme une simple surcouche, alors qu’elle était un langage : une manière de dire que le danger se niche dans la décoration, les rituels, les lignes bien droites.
Si Feig assume vraiment la filiation hitchcockienne (jeu sur les espaces, suspense né des seuils, gestion de l’information au montage), il peut éviter l’écueil le plus courant des suites : l’inflation. Pas besoin de plus de sang, plus de twists, plus de cynisme. Il faut plutôt plus de précision : des scènes qui respirent, des silences qui font peur, des plans qui accusent la maison comme un piège moral.
Quand une franchise se cherche : “univers” ou variations moralement troubles ?
On sent poindre une tentation industrielle : faire de Millie le pivot d’un ensemble de films, comme une héroïne itinérante qui change de maison et de cauchemar. L’idée n’est pas absurde : le cinéma a toujours aimé les personnages récurrents déplacés d’un récit à l’autre, du détective au “fixer”. Mais ce modèle exige une identité forte, presque un code. Qu’est-ce que Millie apporte, précisément, au-delà de sa compétence à survivre ? Un sens de la justice ? Un goût du chaos ? Une empathie mêlée de violence ?
Le premier film jouait sur un héritage de thrillers domestiques, avec une touche de satire sociale. La suite devra décider de sa nature : est-ce une série de variations sur la violence de classe et la violence conjugale, ou un pur manège d’intrigues perverses ? Les deux peuvent cohabiter, mais pas sans friction. Et c’est cette friction, justement, qui peut rendre un film intéressant – à condition de la penser.
À ce titre, jeter un œil à la manière dont la pop culture organise ses révélations et reconstruit ses mythologies peut être éclairant, même hors du thriller. Par exemple, ce type d’analyse sur la propagation des indices et la relecture rétrospective dit quelque chose de notre plaisir contemporain à “recomprendre” après coup : https://www.nrmagazine.com/la-grande-revelation-de-la-saison-5-de-stranger-things-sur-lupside-down-tout-etait-sous-nos-yeux-depuis-le-debut/. Une suite de The Housemaid aura intérêt à privilégier des révélations qui reconfigurent vraiment la mise en scène, pas seulement des surprises qui “cochent” une case.
Le casting manquant et la question du remplacement : peut-on recréer la foudre ?
Si la suite change de couple, de maison, d’épouse en danger, Feig pourra évidemment trouver une actrice remarquable pour créer un nouvel apex dramatique. Mais le cinéma n’est pas un jeu de chaises musicales : remplacer une présence ne revient pas à remplacer une fonction. Le premier film avait un duo asymétrique : une héroïne en observation et une maîtresse de maison en instabilité permanente, qui faisait vibrer le ton entre comédie noire et mélodrame empoisonné.
Reproduire ce schéma avec une nouvelle actrice peut marcher… mais il faudra accepter que le film ne soit pas “le même”. Et surtout, il faudra éviter la copie d’un “type” (la riche nerveuse, l’excentrique manipulatrice) qui deviendrait un gimmick. Rien de pire, dans une saga naissante, que de se transformer en catalogue de personnages interchangeables.
Ce que la suite pourrait gagner : déplacer le regard, changer la grammaire du danger
Paradoxalement, l’absence d’un personnage phare peut être une chance : elle oblige à réinventer le centre. La suite pourrait profiter de ce déplacement pour modifier la mise en danger. Ne plus rejouer la même maison piégée, mais inventer une autre topographie de la menace : un immeuble, une domesticité plus moderne, une surveillance moins “serrure et grenier” et plus “contrôle social”, ou même un danger qui ne vient pas seulement du mari mais d’une communauté, d’un réseau, d’une réputation.
De la même manière, Feig pourrait explorer une violence moins frontale, plus insidieuse, sans renoncer au plaisir de genre. Le thriller domestique est d’autant plus inquiétant quand il cesse d’être un simple “cas” et devient une atmosphère. C’est là que le montage, le mixage son, la direction artistique peuvent faire basculer le film du côté de l’obsession.
Lecture critique : ce que The Housemaid a réussi, et ce que la suite doit éviter
Le premier film était une réussite de rythme : il avançait vite, piégeait le spectateur, et assumait une part de grand-guignol sans se mépriser. Il savait aussi capter une chose rare : l’étrangeté d’un intérieur bourgeois filmé comme un espace de science-fiction morale, où les règles ne sont pas celles du dehors.
Mais son plaisir dépendait beaucoup d’un équilibre instable : une performance qui aimantait, une tonalité qui oscillait, et une violence traitée sans complaisance tout en restant dans un écrin de suspense spectaculaire. La suite devra être prudente sur deux points. D’abord, ne pas transformer l’horreur conjugale en simple carburant narratif. Ensuite, ne pas confondre “camp” et “désinvolture” : le style n’excuse pas tout, et un thriller peut être ironique sans être léger.
À propos des zones où le cinéma flirte avec le désir, la domination, les dynamiques de pouvoir et leurs représentations, certains dossiers permettent de penser la question sans moraliser ni fantasmer. Celui-ci, par exemple, ouvre des pistes utiles sur la manière dont l’écran met en scène les rapports de force : https://www.nrmagazine.com/meilleurs-films-fetish-bdsm/. Une suite de The Housemaid peut y trouver matière à affiner son regard sur la coercition, au lieu de la réduire à un simple “plot twist”.
Fin ouverte : une suite comme test de maturité
Ce second volet, s’il se confirme comme un récit recentré sur Millie, sera un test passionnant : non pas pour savoir si l’histoire peut continuer, mais si le cinéma de Feig peut déplacer ses appuis sans perdre son mordant. L’obstacle de taille, au fond, n’est pas l’absence d’un visage : c’est la nécessité de fabriquer un nouveau cœur battant, une nouvelle contradiction centrale, et de prouver que Sydney Sweeney peut être plus qu’un point de vue – une force de déséquilibre.
On jugera la suite à sa capacité à inventer des scènes qu’on ne pouvait pas prévoir, des cadres qui racontent autre chose qu’un cahier des charges, et une héroïne qui ne traverse pas les drames comme une solution, mais comme une question. Pour suivre d’autres lectures et mises en perspective cinéphiles dans le même esprit, on peut aussi naviguer sur https://www.nrmagazine.com/ ou, pour un détour par la manière dont une franchise se redéfinit parfois par un personnage inattendu, sur cette analyse : https://www.nrmagazine.com/un-personnage-de-one-avatar-fire-and-ash-revolutionne-la-franchise-et-ce-nest-pas-celui-que-lon-croit/.
Passionné de cinéma depuis toujours, je consacre une grande partie de mon temps libre à la réalisation de courts métrages. À 43 ans, cette passion est devenue une véritable source d’inspiration et de créativité dans ma vie.
