Attention : spoilers majeurs. Il y a des suites qui prolongent un succès, et d’autres qui déplacent le centre de gravité d’une histoire au point de la rendre méconnaissable. Greenland 2 : Migration appartient clairement à la seconde catégorie : un film qui, au lieu de rassurer, choisit l’inconfort, l’âpreté, et surtout une décision finale suffisamment radicale pour reconfigurer tout ce que la saga pouvait promettre.
Une suite qu’on n’attendait pas… et qui refuse la facilité
Le premier Greenland avait surpris en contournant plusieurs automatismes du film-catastrophe contemporain : moins d’héroïsme spectaculaire, plus de friction sociale, une tension bâtie sur la logistique de la survie autant que sur l’événement apocalyptique. En ce sens, il avait quelque chose de « clos » : une trajectoire émotionnelle nette, un arc familial lisible, et une sensation de fin qui n’appelait pas forcément de prolongement.
Or Migration ne se contente pas de rouvrir la porte. Il change la pièce. Dans sa manière d’élargir le monde et d’assombrir ses règles, le film semble presque répondre à une question implicite : que vaut une histoire de survie quand l’idée même de société s’effondre ? C’est là que la suite se révèle moins « additionnelle » qu’évolutive, et parfois dérangeante dans ce qu’elle retire au spectateur : la certitude d’un chemin.
Ric Roman Waugh et l’art de filmer le chaos comme un climat
La mise en scène de Ric Roman Waugh demeure attachée à une sensation de réel : caméra qui colle aux corps, espaces qui se rétrécissent, montage qui privilégie la pression plutôt que la démonstration. Mais Greenland 2 franchit un palier : la catastrophe n’est plus seulement un événement, elle devient un climat narratif. Le monde filmé est instable, traversé de menaces qui surgissent sans prévenir : tempêtes irradiées, vents extrêmes, vagues démesurées. On n’est plus dans l’attente d’un impact, mais dans la gestion permanente d’un environnement devenu hostile par nature.
Ce basculement est important, car il modifie la grammaire du suspense. Le film ne promet pas un pic final ; il installe un continuum de périls, où l’épuisement devient un moteur dramatique. C’est une approche moins « parc d’attractions » que certains blockbusters du genre, et plus proche d’un récit de déplacement forcé, presque migratoire au sens anthropologique : survivre, c’est se déplacer, sans certitude d’arrivée.
Un monde élargi : la barbarie comme conséquence, pas comme décor
L’une des idées fortes de Migration tient dans son regard sur l’après : non pas une reconstruction romantique, mais une période de vacance politique où les structures s’effondrent avant que d’autres – souvent pires – ne se reconstituent. Ce que le film esquisse de l’Angleterre ou de la France n’a rien d’une carte postale apocalyptique ; c’est un état de guerre larvée, un chaos où l’humain, privé d’institutions, redevient un animal de meute.
Ce point mérite d’être souligné : le film parle de catastrophe, mais filme surtout la dégradation des comportements. Les scènes d’affrontement et de pillage ne sont pas là pour « faire du spectacle » ; elles prolongent une logique : quand le monde manque, la morale se contracte. On peut trouver la vision noire, parfois insistante, mais elle a le mérite de garder une cohérence interne : la catastrophe est un accélérateur de vérité sociale, pas un simple fond sonore.
Le courage (rare) d’une décision finale qui fend la franchise
Jusqu’ici, la saga avait un visage, une énergie centrale, un protagoniste qui faisait office de boussole émotionnelle. Migration choisit précisément de briser cette boussole. La décision de supprimer John Garrity dans les derniers instants n’est pas seulement « choquante » : elle est structurelle. Elle signifie que la franchise n’est plus tenue par la promesse de retrouver le même héros, mais par l’exploration d’un monde en ruines.
Dans un paysage hollywoodien où la sérialisation se construit souvent sur la reconduction des figures (au risque d’une routine), c’est un geste qui a quelque chose de franchement imprévisible. On peut y voir un pari risqué – perdre un repère affectif, c’est perdre une partie de l’adhésion immédiate – mais aussi une manière de dégager un espace de fiction plus vaste. D’un coup, la saga n’est plus contrainte par le destin d’un seul homme. Tous les paris sont relancés.
Le « crater » en France : un refuge qui ressemble déjà à un conflit
Le film se clôt sur une image ambiguë : un lieu préservé, une sorte de terre promise nichée dans un cratère en France, épargnée par le cataclysme global. Sur le papier, c’est l’oxygène narratif classique : un abri, une possibilité de futur. Sauf que Migration refuse l’idée d’une paix durable. La zone attise les convoitises : des armées s’y affrontent, et l’abri, plutôt que d’effacer la violence, semble la concentrer.
C’est là que la fin devient réellement intéressante : elle ne promet pas « la reconstruction », elle promet la politique au sens dur – rapports de force, frontières, légitimité, invasions. Une suite pourrait faire du cratère un laboratoire de société : qui gouverne, qui a le droit d’entrer, à quel prix, et comment éviter que l’utopie ne tourne à la forteresse ? Ce n’est pas uniquement un enjeu d’action, c’est un enjeu de récit : comment raconter l’après sans retomber dans la mythologie simpliste du « nouveau départ ».
Des pistes pour Greenland 3 : décentrer le regard et raconter autrement
Des signaux disséminés dans Migration ouvrent plusieurs directions possibles. On sent l’envie de montrer davantage l’état du monde, pas seulement à travers le prisme d’une famille, mais via une cartographie de crises : régions dévastées différemment, conflits locaux, choix de survie incompatibles. Plutôt que d’augmenter la catastrophe, un troisième film pourrait augmenter le point de vue – et c’est souvent plus stimulant.
À cet égard, l’idée de suivre un autre personnage, par exemple Denis Laurent, resté en arrière pour s’occuper de sa femme malade tandis que l’enfant est mise à l’abri, contient un potentiel dramatique très fort. On n’y trouverait pas la même énergie de « mission », mais un récit de fidélité, d’attachement, de sacrifice quotidien. Dans un monde en guerre, cette trajectoire pourrait offrir un contrechamp : la survie non pas comme performance, mais comme obstination intime.
Le producteur évoque d’ailleurs la difficulté de l’après, comme si le film 2 avait posé un acte compliqué à gérer pour la suite – et c’est précisément ce qui rend l’attente intéressante. Une franchise qui se met elle-même en danger est souvent plus vivante qu’une franchise qui se contente d’aligner des variations.
Quand la saga catastrophe prend des risques : leçon de sérialité
On parle beaucoup, aujourd’hui, de franchises qui s’épuisent à force d’extensions. Dans le cinéma populaire, la suite est parfois un réflexe plus qu’une nécessité, et le spectateur apprend à reconnaître les mécaniques : escalade, fan service, recyclage d’émotions. Migration, lui, tente autre chose : il coupe un fil au lieu de le rallonger.
Ce geste me fait penser, par contraste, à la manière dont certaines sagas peinent à maintenir une ligne claire quand elles multiplient les enjeux sans renouveler le regard. La discussion autour de la fragilité narrative de certains grands finalistes de trilogie illustre bien ce risque : on ajoute, on empile, mais on n’approfondit pas toujours. À l’inverse, Greenland 2 choisit la soustraction comme moteur de renouvellement.
La sérialité, d’ailleurs, n’est pas qu’une affaire de films. Les séries ont depuis longtemps compris qu’un final ne vaut que par les conséquences qu’il ose assumer. Les spéculations autour d’une fin marquante – et possiblement meurtrière – comme on en voit circuler pour les ultimes lignes droites de grandes sagas télévisées disent quelque chose : le public n’attend pas seulement des réponses, il attend qu’on prenne un risque de narration.
Ce que Migration réussit… et ce qui peut diviser
Ce que je trouve le plus convaincant, c’est la cohérence entre le monde filmé et les choix dramaturgiques. Un univers qui se désagrège appelle des décisions qui déstabilisent. La tension est souvent bien tenue, et l’approche « survival » garde une rugosité appréciable : on sent le froid, la faim, la peur, la fatigue, plutôt que la simple chorégraphie d’effets.
Mais le film peut aussi diviser par son acharnement à noircir le tableau. À force de montrer un monde sans loi, il frôle parfois une monotonie émotionnelle : l’escalade de violence finit par devenir un langage unique, et l’on peut regretter davantage de respirations, de contrastes, de moments où la mise en scène s’autorise une autre musique que l’urgence. En somme, Migration gagne en dureté ce qu’il perd parfois en variété de tonalité.
Cette âpreté, cela dit, a une vertu : elle empêche la saga de devenir un simple « film du samedi soir ». Même si, ironiquement, le titre pourrait très bien se retrouver dans une liste de films à lancer en groupe tant il crée du débat et des réactions immédiates, il propose surtout une matière à discussion sur ce que le cinéma catastrophe peut raconter quand il sort du confort du spectaculaire.
Un horizon d’attente : la catastrophe comme récit politique, pas seulement comme choc visuel
Si Greenland 3 existe, son défi sera moins de « faire plus grand » que de faire plus juste : filmer la naissance d’un ordre nouveau, avec ses exclusions, ses compromis, ses violences inévitables. Le cratère en France peut devenir un théâtre idéal pour cela, presque un micro-État en formation. Et si la saga ose vraiment se décentrer, elle pourrait explorer d’autres territoires, d’autres cultures, d’autres manières de survivre – autant de récits possibles dans un monde où tout le monde n’a pas vécu la fin de la même façon.
J’aime l’idée que la franchise puisse quitter la trajectoire d’un héros unique pour devenir une chronique : celle de communautés improvisées, de conflits pour l’eau, la terre, l’abri, et de ce que l’humanité choisit de sauver d’elle-même. Ce serait une manière de rejoindre, à sa façon, une tradition plus large du cinéma de survie et du cinéma social, où l’action n’est jamais séparée de la question morale.
Au fond, la fin de Migration pose une question passionnante : quand on a perdu la figure centrale et trouvé un refuge déjà menacé, qu’est-ce qui fait encore saga ? La réponse n’est peut-être pas dans une escalade d’effets, mais dans la capacité à inventer un nouvel ordre de récit – avec la même précision de mise en scène, et une attention renouvelée aux visages. Si le film-catastrophe veut continuer à compter, il doit parfois accepter de devenir un film sur le monde, pas seulement sur la fin du monde.
Et puisqu’on parle de sagas et de continuités, il est amusant de constater à quel point notre plaisir de spectateur dépend aussi de notre manière d’entrer dans un univers : certains aiment l’ordre strict, d’autres l’expérience brute. Pour les grands ensembles, on finit toujours par chercher un mode d’emploi – comme le montre ce guide sur l’ordre de visionnage des Avengers. Greenland, lui, semble prendre le contrepied : il veut qu’on avance sans carte, en terrain instable, avec l’impression très concrète que la suite n’obéira à personne.
Et voir la France devenir un nœud dramatique n’est pas anodin non plus : dans un paysage où l’imaginaire de l’effondrement est souvent anglo-centré, ce déplacement géographique crée une curiosité nouvelle. Cela rappelle qu’il existe une autre tradition de récits, plus proches du sol, du quotidien, du visage – celle qu’on associe volontiers à un certain cinéma français, quand il s’intéresse aux corps, aux tensions sociales, à la survie intime. Reste à savoir si la saga saura croiser ces sensibilités sans perdre ce qui fait sa nervosité première.
Passionné de cinéma depuis toujours, je consacre une grande partie de mon temps libre à la réalisation de courts métrages. À 43 ans, cette passion est devenue une véritable source d’inspiration et de créativité dans ma vie.
