À Saint-Paul-de-Vence, la Déclaration Lumière n’a pas seulement aligné quinze principes bien peignés : elle a surtout tenté de remettre un peu d’ordre dans un secteur qui adore parler d’art tout en comptant ses abonnements comme un banquier compte ses billets. Présenté lors du Lumière Summit, le texte a été adopté par des représentants d’États, d’organisations internationales, de festivals, d’institutions culturelles et de figures de l’industrie du film, de la télévision et du jeu vidéo. La France et la République de Corée l’ont porté ensemble, ce qui n’est pas anodin : on parle ici de deux pays qui savent très bien que l’image en mouvement n’est plus un simple objet de cinéphilie, mais une bataille de souveraineté, de circulation et de visibilité.
Depuis vingt ans, le cinéma mondial vit sous tension. D’un côté, la concentration industrielle, les plateformes, les algorithmes, les fenêtres de diffusion qui se rétrécissent comme peau de chagrin et les budgets marketing qui peuvent avaler un film plus sûrement qu’un mauvais montage. De l’autre, les salles qui restent le lieu symbolique de la première rencontre entre une œuvre et son public, même si le box office mondial a dû se reconstruire après le choc du Covid et les grèves hollywoodiennes de 2023. En 2024, le marché nord-américain est resté nettement en dessous de son niveau prépandémie, tandis que plusieurs territoires ont retrouvé de la vigueur grâce à des franchises lourdes et à quelques succès locaux. Bref, on n’est pas dans une crise abstraite : on est dans une recomposition brutale des rapports de force. La Déclaration Lumière arrive donc au moment où tout le monde prétend défendre le cinéma, mais où chacun tire la couverture vers sa plateforme, son territoire ou son modèle de rente.
Le cœur du texte tient dans une idée simple, presque insolente dans sa formulation : l’attention du public n’est pas une ressource à capturer, c’est une confiance à honorer. Rien que ça. Et franchement, il fallait bien une phrase comme celle-là pour remettre un peu de dignité dans un secteur qui passe son temps à transformer le spectateur en donnée exploitable. Le document défend une gouvernance mondiale de l’image qui ne se limite pas à la rentabilité immédiate, mais qui pense aussi diversité culturelle, circulation des œuvres, accès des publics et responsabilité des acteurs privés. On n’est pas dans la poésie de salon : on touche à la manière dont les films existent, circulent, se financent et survivent.
Le tapis rouge, mais pour la régulation
En apparence, une déclaration internationale sur le cinéma peut ressembler à un de ces grands textes diplomatiques qui finissent dans un tiroir avec une jolie photo de groupe. Sauf que le contexte a changé. Les États ne regardent plus seulement les films comme des objets culturels à subventionner ; ils les voient aussi comme des actifs stratégiques, des outils d’influence, des emplois, des exportations, des plateformes d’identité nationale. Et les géants du streaming, eux, ont imposé une logique d’abonnement, de rétention et de recommandation qui a déplacé le centre de gravité du secteur. On ne parle plus seulement de sortir un film, mais de le faire émerger dans un océan d’offres où l’attention se négocie à coups d’optimisation et de data. Autrement dit : le cinéma ne manque pas d’images, il manque d’espace mental.
La Déclaration Lumière essaie précisément de remettre cette question au centre. Quinze principes, ce n’est pas un gadget rhétorique : c’est une tentative de poser un cadre commun à une industrie éclatée entre salles, plateformes, télévision, festivals, institutions et créateurs. Et dans le fond, le texte dit quelque chose que l’on sait depuis longtemps mais qu’on oublie dès qu’un mastodonte débarque avec son plan de sortie mondial : sans règles partagées, le marché fabrique de l’uniformité. Le résultat, on le connaît. Les mêmes franchises, les mêmes formats, les mêmes têtes d’affiche, les mêmes stratégies de saturation. Le péché originel du système, c’est de confondre circulation et visibilité, et visibilité et désir.
Saint-Paul-de-Vence, ou comment la diplomatie s’invite au générique
Le choix de Saint-Paul-de-Vence n’a rien d’un décor de carte postale posé là pour faire joli. Le lieu convoque une certaine idée du patrimoine artistique français, mais aussi une géographie du prestige culturel où le cinéma dialogue avec les institutions, les festivals et les politiques publiques. On est loin du simple sommet de communication. La présence conjointe de la France et de la République de Corée rappelle d’ailleurs un fait assez parlant : le cinéma mondial se pense de plus en plus à travers des alliances transnationales, parce que les batailles d’aujourd’hui ne se jouent plus uniquement à Hollywood. Elles se jouent à Séoul, à Paris, à Londres, à Mumbai, à Lagos, dans les salles comme sur les plateformes, dans les commissions comme dans les algorithmes.
Le texte s’inscrit aussi dans une longue histoire des tentatives de régulation culturelle. Depuis les politiques de quotas jusqu’aux accords de coproduction, en passant par les dispositifs de soutien aux salles et aux auteurs, le cinéma n’a jamais été un marché totalement libre. Et c’est tant mieux, sinon on aurait déjà tout remis entre les mains de la logique du plus gros budget de production et du plus agressif budget marketing. Le problème, aujourd’hui, c’est que la mondialisation numérique a donné aux acteurs privés une puissance de distribution inédite, parfois plus rapide que celle des États à la légiférer. D’où l’intérêt d’un texte comme celui-ci : il ne prétend pas régler le monde, mais il rappelle que le monde de l’image ne peut pas être abandonné aux seules forces du clic.
Le public, ce faux figurant qu’on prend enfin au sérieux
La formule la plus intéressante de cette Déclaration, c’est peut-être celle qui refuse de réduire l’audience à une cible. Dans le langage industriel contemporain, le spectateur devient souvent un profil, un segment, une courbe de rétention, un taux de complétion. C’est pratique pour les tableaux Excel, beaucoup moins pour la culture. En plaçant l’attention au rang de confiance à respecter, le texte remet un peu de morale dans une économie qui adore se présenter comme neutre alors qu’elle est saturée de choix politiques. Qui décide de ce qui mérite d’être vu ? Qui finance les œuvres qui ne promettent pas un rendement immédiat ? Qui protège la diversité quand la rentabilité pousse à l’alignement ? Voilà les vraies questions, pas les petits slogans sur la “créativité” qu’on sert à la chaîne.
Et puis il y a cette évidence, que notre chère rédaction aime bien rappeler quand les communiqués se prennent pour des manifestes : un film n’existe pas seulement parce qu’il a été tourné, mais parce qu’il trouve un public dans des conditions qui ne le trahissent pas. La salle, la fenêtre de diffusion, la médiation, la critique, les festivals, tout cela forme un écosystème fragile. Si l’un des maillons cède, on ne perd pas seulement des entrées ; on perd des formes, des risques, des accents, des cinématographies entières. La Déclaration Lumière ne promet pas de sauver le cinéma, mais elle a au moins le mérite de rappeler qu’un art sans public librement considéré finit toujours par devenir une simple marchandise bien emballée.
Reste à voir si les quinze principes survivront au grand cirque des intérêts contradictoires, des arbitrages budgétaires et des déclarations d’amour au cinéma prononcées entre deux réunions de rentabilité. On connaît la chanson : tout le monde veut défendre la diversité, jusqu’au moment où il faut la financer. Mais au moins, cette fois, le texte a le bon goût de poser la question sans trembler. Et ça, dans un secteur qui adore se regarder dans le miroir en costume de gala, c’est déjà pas mal.
Journaliste citoyen depuis plus de 20 ans, passionné de cinéma et réalisateur de courts-métrages sur mon temps libre.
