Elmer Bernstein: biographie, films et séries, crédits

En 1955, L'Homme au bras d'or d’Otto Preminger fait entrer Elmer Bernstein dans le champ des grands compositeurs hollywoodiens. Deux ans plus tard, Les Dix Commandements de Cecil B. DeMille lui confie une partition orchestrale d’une autre ampleur, déjà très éloignée de l’élan urbain du film précédent. Entre ces deux jalons, le musicien né le 4 avril 1922 à New York a posé les bases d’une présence durable au cinéma américain.

Formation new-yorkaise et premiers engagements

Elmer Bernstein suit un enseignement à la Juilliard School puis à l’Université de New York, dans la Steinhardt School of Culture, Education and Human Development. Cette base musicale s’accompagne d’un apprentissage plus large, nourri par le clavier et par des activités de musicien, d’arrangeur et d’enseignant. La période d’avant 1951 est déjà marquée par une pratique professionnelle étendue, sans qu’elle se laisse réduire à une seule discipline.

À partir de 1951, son nom apparaît au générique de Saturday's Hero de David Miller. L’année suivante, il signe la musique de Vocation secrète de William Dieterle, de Never Wave at a WAC de Norman Z. McLeod et de Le Masque arraché de David Miller. Le compositeur s’installe alors dans un rythme de travail régulier, au contact de studios qui lui demandent des partitions variées dès les premières années.

En 1953, il travaille sur Robot Monster de Phil Tucker, Cargo de femmes de R. G. Springsteen et Cat-Women of the Moon d’Arthur Hilton. L’année suivante, Miss Robin Crusoe, Ultime Sursis et Silent Raiders prolongent cette présence quasi continue. Les titres s’enchaînent sans que Bernstein se cantonne à un même registre de façon exclusive.

Le tournant des années 1950

L'Homme au bras d'or, en 1955, devient un repère décisif dans sa filmographie. Otto Preminger lui donne l’occasion d’une musique où le jazz prend un rôle narratif, et non un simple habillage sonore. Cette proposition répond à un moment où Hollywood cherche des écritures plus directes, plus souples, moins figées dans les modèles du film de studio.

En 1956, Cecil B. DeMille l’appelle pour Les Dix Commandements. Le contraste avec le film de Preminger est net, car Bernstein passe d’un univers urbain à une vaste partition biblique. Son travail s’inscrit alors dans deux directions qui vont longtemps coexister chez lui: la précision rythmique et l’ampleur orchestrale.

Cette même année, sa présence au cinéma s’affirme par l’ampleur des commandes qu’il reçoit. Le compositeur est déjà associé à des partitions qui exigent des couleurs très différentes, sans se laisser enfermer dans une formule unique. À partir de là, son activité s’étend vers les westerns, les drames et les films historiques.

Western, guerre et grande machine hollywoodienne

En 1960, Les Sept Mercenaires de John Sturges devient l’un de ses titres les plus identifiables. La partition s’attache durablement à l’image du western américain et accompagne une série de collaborations où la musique de Bernstein épouse la marche, la tension et l’espace. Son nom se retrouve ensuite sur La Grande Évasion de John Sturges en 1963, autre film de guerre où l’écriture musicale tient une place centrale.

En parallèle, il travaille sur Hawaï, qui lui vaut un Golden Globe de la meilleure musique de film en 1966. L’année suivante, Millie lui apporte l’Oscar de la meilleure musique de film en 1968. Ce prix marque un sommet de reconnaissance institutionnelle pour une musique associée jusque-là à une grande variété de récits et de genres.

La décennie suivante le voit prolonger cette activité sur plusieurs fronts. Flying High figure parmi les titres de 1980, tandis que Meatballs I apparaît en 1979. Bernstein reste alors dans une logique de commande régulière, avec une écriture immédiatement repérable par sa clarté d’attaque et son sens des motifs mémorisables.

La comédie, puis le retour aux grands récits

À la fin des années 1970, Meatballs I ouvre une séquence qui conduit Bernstein vers des films plus comiques. Flying High prolonge cette direction en 1980, puis S.O.S. Fantômes en 1984 installe une signature musicale immédiatement reconnaissable. Les mélodies prennent alors une fonction plus légère, sans abandonner la précision de l’orchestration.

Un fauteuil pour deux, en 1983, occupe une place importante dans cette période. La musique accompagne un film de John Landis qui repose sur le tempo et le décalage, deux ressorts que Bernstein sait soutenir par une écriture nerveuse et lisible. Quelques mois plus tard, sa partition de S.O.S. Fantômes confirme cette capacité à suivre des récits de studio très exposés sans perdre son identité musicale.

En 1991, Martin Scorsese lui confie Les Nerfs à vif. Bernstein y assure la direction musicale et signe aussi la musique originale, dans un geste d’hommage à Bernard Herrmann. Le projet lui offre un retour à un cinéma de tension contrôlée, avec une écriture qui reprend et transforme la matière du film d’origine.

Dernières œuvres, distinctions et héritage

Après Les Nerfs à vif, Bernstein reçoit une nomination à l’Oscar de la meilleure musique de film en 1994 pour Le Temps de l'innocence. En 1993, il avait déjà signé le thème principal de Fallen Angels. Sa production des années 1990 reste associée à des cinéastes qui cherchent une écriture musicale précise et sans effet superflu.

Loin du Paradis, en 2002, figure parmi ses dernières partitions et prend valeur de pièce d’adieu. Le film de Todd Haynes l’inscrit dans une mémoire du cinéma classique, que Bernstein connaissait de l’intérieur depuis les années 1950. Le compositeur meurt le 18 août 2004 à Ojai, en Californie, après plus d’un demi-siècle de travail pour le cinéma.

Sa discographie et ses crédits montrent une activité qui relie les grands récits hollywoodiens, la comédie des années 1980 et des reprises tardives sous la direction de Scorsese ou Haynes. L’étoile sur le Hollywood Walk of Fame résume un statut public déjà installé depuis longtemps, sans enfermer Bernstein dans un seul genre ni dans une seule période.