Les Simpson Saison 36 : Une Rencontre Historique entre Deux Homers

Il y a des épisodes qui cherchent la performance du moment, et d’autres qui travaillent la mémoire d’une œuvre. Dans Les Simpson, série devenue un langage commun autant qu’un feuilleton, la “rencontre entre deux Homers” n’est pas seulement un gag de multivers ou un clin d’œil de fans : c’est une manière de regarder la série dans un miroir, et de rappeler qu’entre Springfield et le reste du monde, la voix n’a jamais été un simple habillage.

Quand une série “globale” se remet à écouter ses propres voix

On a souvent tendance à parler des Simpson comme d’un monument américain exporté tel quel. La réalité est plus subtile : la série circule, certes, mais elle se recompose à chaque frontière. La traduction y est une écriture bis. Le doublage, quand il est inspiré, ne se contente pas de remplacer des mots : il remodèle un rythme comique, une musicalité, parfois même une psychologie. Et, à force, il fabrique des personnages parallèles, légèrement décalés, mais tout aussi “vrais” pour des millions de spectateurs.

Ce point est paradoxalement évident quand on replonge dans nos propres souvenirs de séries et de dessins animés, façonnés par les voix de notre enfance. Il suffit de voir à quel point certaines intonations font partie de notre mémoire affective, au même titre qu’un générique ou qu’un thème musical. Sur ce terrain-là, l’expérience de spectateur est indissociable de la localisation culturelle — et c’est aussi ce qui rend la question du doublage si sensible. Pour prolonger cette réflexion, on peut parcourir des dossiers sur les séries qui ont structuré plusieurs générations, comme ceux proposés ici : https://www.nrmagazine.com/dessins-animes-enfance/ et https://www.nrmagazine.com/dessins-animes-enfance-2/.

Contexte : un épisode qui déplace le projecteur vers l’ombre

L’idée de départ est à la fois simple et très cinématographique : un personnage secondaire, Bumblebee Man, reçoit une sorte d’origin story et, surtout, un nouvel éclairage. Le récit s’articule autour d’un motif rarement abordé frontalement dans une sitcom animée : l’usure physique et symbolique de celui qui “tombe” pour faire rire. On bascule donc du côté des artisans du gag, du travail répétitif, de l’acharnement comique — bref, de la mécanique qui, d’ordinaire, s’efface derrière l’effet.

À partir de là, le cœur de l’épisode trouve son carburant narratif : Bumblebee Man décide d’engager Homer comme doublure cascade. Ce déplacement est malin : Homer, corps élastique par excellence, devient l’outil d’un autre comique. Et le scénario organise alors une complicité qui rappelle, de manière assumée, un duo à la buddy movie, avec en filigrane une référence à la dynamique Rick Dalton / Cliff Booth de Once Upon a Time in Hollywood. Ce n’est pas une citation lourde ; c’est une structure : l’un est la “face” et l’autre l’“effecteur”, l’un reçoit la lumière et l’autre encaisse les chocs.

Mise en scène : le burlesque comme chorégraphie, pas comme bruit de fond

Ce qui frappe, dans la meilleure partie de l’épisode, c’est son respect du slapstick comme art du tempo. Le burlesque ne fonctionne pas à la seule idée de chute : il vit dans l’anticipation, la suspension, la micro-hésitation avant l’impact. Les Simpson, quand ils sont en forme, savent animer une logique de montage interne : un geste se prépare, une grimace annonce, le cadre “attend” le gag. Ici, le travail consiste à redonner à la cascade sa dimension de chorégraphie, presque de danse, en rappelant que le rire naît aussi d’une précision.

Ce choix est important parce qu’il réoriente le regard : au lieu de consommer la chute comme un réflexe, on nous invite à la considérer comme un métier, une discipline, un langage. C’est typiquement le genre de détour qui permet à une série aussi installée de retrouver une fraîcheur : non pas en forçant l’actualité, mais en redécouvrant ses propres bases.

La vraie rencontre : deux Homers, deux histoires du même personnage

L’“événement” de l’épisode tient pourtant ailleurs : la présence d’un Homer doublé par une voix devenue mythique en Amérique latine. Le geste est fort parce qu’il ne s’agit pas d’un simple caméo gratuit. En confiant à une figure clé du doublage latino-américain un personnage central de l’intrigue, la série reconnaît que son identité mondiale ne se réduit pas au doublage original anglophone.

On se retrouve donc, dans une grande partie de l’épisode, avec un jeu de reflets : un Homer “source” et un Homer “hérité”, deux manières d’habiter le même personnage. Et là, c’est presque une leçon de cinéma sur la notion d’interprétation. Un rôle n’existe pas uniquement par son design ou ses répliques : il existe par la texture de la voix, son placement, sa respiration, ses accélérations. À force d’être entendu, un timbre devient une écriture. Reconnaître cela, c’est prendre au sérieux la part invisible du jeu.

Le doublage comme adaptation : un enjeu artistique et politique

Il y a, dans cette reconnaissance, quelque chose de délicat : parler du doublage, c’est parler de représentation. Certaines localisations ont traîné des choix discutables, comme l’attribution d’accents à des personnages non blancs ou l’utilisation de codes culturels parfois caricaturaux. Le doublage, parce qu’il “redessine” l’identité sonore, peut enrichir un personnage comme l’enfermer dans un cliché.

C’est précisément pour cela que l’épisode mérite une lecture attentive : il ne célèbre pas le doublage comme un gadget, mais comme un territoire d’interprétation, avec ses réussites, ses habitudes, ses angles morts. En filigrane, il pose une question simple : qu’est-ce qu’un personnage mondial ? Est-ce une silhouette, un texte, une voix originale — ou la somme de toutes ses incarnations ?

Un détail qui compte : le nom “Homero” comme signe de légitimité

Le scénario glisse un marqueur très parlant : la reconnaissance explicite du prénom Homero en Amérique latine, là où d’autres traditions hispanophones ont longtemps débattu de la prononciation et de l’appropriation du nom. Ce n’est pas une querelle anecdotique : un prénom, c’est une porte d’entrée culturelle. En actant ce choix, la série ne “corrige” pas les autres versions ; elle entérine la réalité d’un attachement régional, celui de millions de spectateurs pour qui Homer est d’abord Homero.

J’aime ce type de détail, parce qu’il dit quelque chose de la longue durée : une œuvre populaire survit en acceptant qu’on la prononce différemment, qu’on l’apprenne autrement, qu’on la fasse sienne. Ce sont les grandes séries qui supportent ces variations sans se dissoudre — ce que rappellent aussi, à leur manière, les panoramas consacrés aux fictions américaines et à leur circulation : https://www.nrmagazine.com/meilleures-series-americaines/ et https://www.nrmagazine.com/top-100-series-incontournables/.

Ce que l’épisode réussit : une déclaration d’amour sans solennité

La réussite principale tient à l’équilibre : l’épisode reste une comédie, avance par situations, et évite l’hommage muséal. Il parvient à faire sentir la noblesse artisanale de la doublure et du doublage, sans transformer l’intrigue en dissertation. La référence à Tarantino fonctionne alors comme une passerelle : elle fait entrer, dans l’univers des Simpson, l’idée que les “seconds” (doublures, voix, techniciens, exécutants) portent une partie de la mythologie.

Dans le même mouvement, il propose une manière plutôt élégante de parler de l’empreinte régionale des Simpson : non pas en alignant des clins d’œil, mais en donnant une place narrative à ceux qui, d’habitude, restent hors-champ. Cette capacité à se retourner sur sa propre fabrique rappelle pourquoi la série, malgré ses irrégularités, demeure un objet critique inépuisable.

Ce qui résiste : la tentation du gadget et les limites d’un concept

Tout n’est pas également fin. Le risque, avec ce type d’épisode-événement, est de se reposer sur son concept : la “rencontre” devient un argument, parfois au détriment de la densité dramatique. Certaines scènes semblent exister surtout pour rendre l’idée visible, comme si la narration devait prouver son dispositif plutôt que le laisser respirer.

Il y a aussi une tension propre aux Simpson tardifs : comment rester accessible à un public large tout en multipliant les couches méta ? L’épisode s’en sort globalement, mais il n’échappe pas complètement à cette impression de devoir parler à deux spectateurs : celui qui veut une histoire fluide, et celui qui traque la référence, le commentaire, le “moment”. Cette dualité est devenue l’un des exploits — et parfois l’une des fragilités — de la série au long cours. Sur la manière dont certaines séries réussissent ce grand écart, on peut aussi lire : https://www.nrmagazine.com/exploits-series-televisees/.

Regarder autrement : et si Homer était un rôle, pas un personnage ?

Ce que j’emporte de cette “rencontre entre deux Homers”, c’est une idée simple : Homer n’est peut-être pas seulement un personnage, mais un rôle au sens théâtral, donc une forme vivante, rejouée, modulée, transmise. L’épisode rend visible cette transmission en la plaçant au cœur du récit, comme si la série reconnaissait enfin que sa longévité tient aussi à ceux qui la réinterprètent dans d’autres langues, d’autres rythmes, d’autres cultures.

Et cela ouvre une question plus large, qui dépasse Springfield : dans un monde où les œuvres se consomment globalement et se réécrivent localement, qu’est-ce qui constitue l’“original” d’un personnage ? Sa première voix, ou celle qui a fait battre le cœur d’un pays entier pendant des décennies ?