Il y a une différence entre un récit qui s’épaissit et un récit qui se referme sur lui-même. La saison 5 de Stranger Things se situe précisément sur cette ligne de crête : elle veut conclure, rassembler, solder les dettes émotionnelles… tout en ajoutant une pièce inattendue au puzzle. Cette pièce, c’est un spin-off que beaucoup n’ont pas vu : The First Shadow, spectacle scénique pensé comme un prélude. Et, fait plus délicat, la série semble désormais demander au spectateur de connaître ce détour pour saisir certaines articulations majeures de son dernier acte.
Attention : ce texte aborde des éléments narratifs importants de la saison 5 (et évoque des révélations liées au spectacle préquel). Sans entrer dans le détail scène par scène, il faut tout de même nommer l’enjeu : la série transforme une information jusque-là périphérique en donnée structurante. Ce n’est pas un simple clin d’œil ; c’est une clé de lecture.
Une fin de série n’est pas un best-of : le problème des “nœuds” à défaire
Les dernières saisons d’une grande saga sérielle ont une tentation presque mécanique : celle du récapitulatif permanent. On rouvre les tiroirs, on ressort les objets, on confirme les intuitions, on explique ce qui restait opaque. Le risque, c’est que l’écriture devienne un exercice d’archives : des personnages qui explicitent, des dialogues qui “rattrapent” le spectateur, un rythme parfois interrompu par la nécessité de clarifier.
Stranger Things a toujours été une série de mythologie autant que d’ambiance : les Duffer ont construit un univers avec ses règles, ses laboratoires, ses seuils, ses monstruosités et son lexique (Upside Down, Hawkins, expériences). Jusqu’ici, cette densité fonctionnait parce qu’elle restait adossée à une dramaturgie simple : un groupe, une menace, une saison comme un film. Mais à l’approche de la conclusion, l’univers réclame ses comptes, et la narration commence à parler “lore” avant de parler “cinéma”.
Le basculement : quand le supplément devient indispensable
Ce qui change en saison 5, c’est la nature du renvoi au hors-série. Un épisode s’appuie sur un flashback qui entérine, de manière frontale, un lien direct avec les révélations du spectacle The First Shadow. On peut comprendre l’intention : à l’heure de la conclusion, il est séduisant de donner au mal une origine, au chaos une généalogie, à l’horreur une “naissance”. Le problème n’est pas tant de raconter un avant, mais de laisser entendre que sans cet “avant” (et sans l’avoir vu), certaines connexions paraîtront abruptes, voire opaques.
Ce n’est pas qu’un spectateur “perd” l’histoire ; c’est qu’il peut perdre la logique interne de plusieurs choix dramatiques. Quand une série arrive au point où le récit exige un détour par une autre œuvre, elle change implicitement le contrat : on ne suit plus seulement une saison, on suit un réseau de récits.
Ce que raconte le spin-off : l’origine comme moteur, et non comme décor
The First Shadow ne se contente pas d’ajouter une anecdote ; il reconfigure la chaîne de causalité. Le spectacle s’intéresse à un personnage central dans la série, avant qu’il ne devienne la figure que l’on connaît. Il le montre enfant, confronté à des capacités mentales précoces, traversé par des visions et des forces qu’il ne sait pas nommer. La dramaturgie est classique – enfance, anomalie, isolement, basculement – mais l’important est ailleurs : dans le fait que ce garçon est présenté comme une sorte de source, un “point zéro” à partir duquel se déploieront les expériences et, par ricochet, les enfants “doués” de l’univers.
Le spectacle introduit aussi, avec plus d’insistance, certains éléments scientifiques et pseudo-scientifiques qui, à l’écran, étaient plutôt suggérés : programmes de recherche, obsession familiale, transmission, expérimentation. Et surtout, il précise le mécanisme par lequel un médecin clé de l’univers récupère l’idée – et la matière – permettant de reproduire l’anomalie à grande échelle. Ce que la série montre ensuite en saison 5, c’est la conséquence logique de ce mécanisme : l’expérimentation ne s’arrête pas à des cobayes isolés, elle touche des corps vulnérables, et fait de la maternité un champ d’intervention.
Dit autrement : comprendre le spin-off, c’est comprendre pourquoi la série peut affirmer, sans trembler, qu’un antagoniste n’est pas seulement un monstre à vaincre, mais un maillon causal ayant rendu possible l’existence même de l’héroïne. C’est un renversement dramatique puissant… à condition d’en saisir la charpente.
Le vrai sujet : la filiation narrative entre l’antagoniste et l’héroïne
À l’écran, la relation entre la figure maléfique et l’héroïne a toujours relevé du miroir : deux puissances, deux trajectoires, deux manières d’habiter la violence. Le préquel, lui, durcit ce miroir en le transformant en filiation. Et la saison 5 semble valider ce choix en révélant que le “don” n’est pas seulement une singularité : c’est une contamination organisée, la conséquence d’un protocole. Cette déviation est dramatiquement intéressante parce qu’elle fait glisser la série du conte initiatique vers quelque chose de plus moral et plus sombre : l’idée que la puissance de l’héroïne est née d’un acte qui la dépasse, et que son identité est prise dans une chaîne d’événements qu’elle n’a pas consentie.
En termes de mise en scène, cela change le poids de certaines images : les couloirs, les salles d’expérimentation, les dispositifs médicaux ne sont plus seulement des décors “années 80”, mais des machines à fabriquer du destin. La saison 5, à partir de là, rejoue des motifs déjà vus, mais avec une violence conceptuelle accrue.
Pourquoi ce choix divise : quand l’univers prend le pas sur le récit
Faire dépendre la compréhension d’une saison finale d’un spectacle vu par une minorité pose un problème de circulation culturelle. On n’accède pas au théâtre comme on clique sur un épisode : prix, localisation, temporalité, disponibilité. Sur le plan esthétique, on peut défendre l’idée d’un univers transmédia – la fiction se décline, se répond, se complète – mais sur le plan dramaturgique, la série prend le risque de fragiliser son autonomie.
On a déjà vu ce mécanisme dans d’autres grandes franchises contemporaines : l’histoire devient une autoroute à péages, où chaque embranchement “enrichit” mais finit par paraître obligatoire. Le spectateur n’est plus porté par le récit ; il est invité à faire ses devoirs. Ce n’est pas une question de paresse du public, c’est une question de rythme et de clarté : quand une œuvre audiovisuelle doit trop expliquer ce qui vient d’ailleurs, elle expose ses coutures.
La densité de lore : une esthétique du labyrinthe… et ses limites
Les Duffer ont souvent été efficaces dans l’art du rappel discret : une image, un motif sonore, une réplique qui fait écho. Mais la saison 5 semble parfois s’installer dans une logique de “dossier” : plusieurs époques, plusieurs laboratoires, plusieurs termes, et une couche supplémentaire – une dimension “autre” dont la proximité avec l’Upside Down demande, elle aussi, des nuances. Le problème n’est pas que ce soit complexe. Le problème, c’est que cette complexité arrive au moment où la série devrait, idéalement, épurer.
Quand on filme une fin, on filme aussi un mouvement : une poussée vers l’avant. Or l’excès de mythologie peut créer un contre-mouvement, une aspiration vers les annexes. Ce tiraillement se ressent dans la façon dont certains personnages portent l’information : ils deviennent, par instants, des vecteurs explicatifs plus que des corps en crise. En cinéma, on sait à quel point une exposition trop visible peut “casser” une scène. En série, c’est encore plus dangereux : l’émotion s’étiole quand la mécanique s’affiche.
Une question de mise en scène : le flashback comme preuve, pas comme souvenir
Le flashback, dans les grandes machines narratives, a deux fonctions possibles : enrichir un personnage (le souvenir), ou verrouiller une intrigue (la preuve). En saison 5, l’usage du flashback ressemble davantage à un acte de certification : il ne colore pas, il confirme. Il dit au spectateur : “voici l’origine telle qu’elle doit être comprise”. Ce type de flashback a un pouvoir redoutable mais une contrepartie : il réduit l’ambiguïté, il ferme des interprétations. Là où le mystère faisait partie du charme-œuvre d’atmosphère, de non-dit, d’ombres-la série avance vers une mythologie “documentée”.
On peut y voir une maturité : l’univers cesse de jouer au secret. On peut aussi y voir une perte : l’Upside Down, au lieu d’être un espace mental, presque abstrait, devient un territoire de chronologie, d’organigrammes, de causes et d’effets. Le spectacle préquel accentue ce mouvement en ancrant l’horreur dans une origine personnelle et médicale. C’est cohérent. Ce n’est pas neutre.
Le théâtre comme laboratoire : une bonne idée… mal absorbée
Sur le papier, faire passer une part d’origine par le théâtre est fascinant : le théâtre travaille l’ellipse, la symbolique, l’incarnation directe. Il peut rendre l’horreur plus primitive, plus rituelle. Mais quand cette matière revient dans la série comme donnée “à savoir”, elle perd une part de sa puissance. Elle devient une note de bas de page indispensable, pas une variation inspirante. C’est là que le pari transmédia se fragilise : au lieu que chaque médium apporte une couleur, on a l’impression que l’un apporte la clé et que l’autre exige la clé.
Dans le paysage des franchises, cette stratégie n’est pas isolée. Le public a vu des univers se dilater au point de se transformer en calendrier. Certaines annonces et prolongements racontent davantage la logique industrielle que le désir de mise en scène. À ce titre, on peut faire un détour par des dynamiques voisines dans le cinéma populaire récent, qu’il s’agisse de la surenchère post-générique (comme on le commente souvent à propos de certaines sagas d’action) ou des attentes sans cesse relancées autour de suites : https://www.nrmagazine.com/fast-x-scene-post-gen-communique/ ; https://www.nrmagazine.com/deadpool-4-reynolds-attentes/.
Ce que la saison 5 gagne malgré tout : un vertige moral plus adulte
Il faut reconnaître à cette orientation un mérite : elle rend l’univers plus tragique. Si l’héroïne n’est pas seulement “née différente” mais issue d’une chaîne d’expérimentation, la série déplace son centre de gravité. Elle parle moins de l’adolescence comme différence, et plus du pouvoir comme héritage forcé. Le mal n’est plus uniquement une entité extérieure ; il laisse des traces dans l’intime, dans la biologie, dans les origines.
Sur le plan du jeu, cela peut aussi affiner certains rapports : l’affrontement n’est plus un duel abstrait, mais un conflit où l’adversaire est aussi un “ancêtre narratif”. Dans les meilleures scènes, on sent alors une tension de tragédie : combattre l’ennemi, c’est aussi combattre la part de récit qu’il a déposée en vous.
Ce que la saison 5 perd : l’accessibilité sensorielle des débuts
Les premières saisons fonctionnaient comme un cinéma de la sensation : des vélos dans la nuit, des lampes qui clignotent, un monstre hors champ, une petite ville cadrée comme une maquette anxieuse. La mythologie existait, mais elle servait l’effet. À présent, l’effet sert parfois la mythologie. Et l’on sent poindre une fatigue contemporaine : celle des récits qui veulent être des univers avant d’être des histoires.
Cette fatigue ne concerne pas seulement Stranger Things. On la retrouve dans beaucoup de franchises qui s’étendent, se segmentent, s’annoncent, se prolongent. Qu’il s’agisse de relancer une figure connue, de projeter une saison supplémentaire, ou d’étirer une icône jusqu’à la saturation médiatique, la question reste la même : à partir de quand le prolongement devient-il une obligation plus qu’un désir ? Ces débats traversent l’actualité des suites et retours, du côté des univers sombres comme des licences horrifiques ou familiales : https://www.nrmagazine.com/saison-2-the-penguin-farrell/ ; https://www.nrmagazine.com/retour-massacre-tronconneuse/ ; https://www.nrmagazine.com/shrek-5-minions-3-retard/.
Comment regarder la saison 5 avec (ou sans) le spin-off : une clé de lecture plutôt qu’un passage obligé
Dans les faits, on peut suivre la saison 5 sans avoir vu The First Shadow. La série donne assez d’indices pour comprendre “ce que cela implique”. Mais il manque alors une chose : le sentiment de continuité organique. Sans le préquel, certaines révélations ressemblent à un ajout tardif, à une pièce rapportée. Avec le préquel, elles prennent la forme d’un plan ancien, d’une architecture cachée depuis longtemps.
Ce qui est en jeu, ce n’est donc pas la compréhension des événements, mais la perception de leur nécessité. Une bonne fin ne se contente pas d’expliquer : elle donne l’impression que tout menait là. Le spin-off est utilisé comme un outil pour produire cette impression. Reste à savoir si l’on accepte, en tant que spectateur, qu’une émotion de conclusion se construise aussi en dehors de l’écran.
Une fin ouverte, au fond, sur une question simple
Au moment où Stranger Things tente de refermer son grand livre, elle révèle un paradoxe très contemporain : plus une œuvre devient populaire, plus elle ressent le besoin de prouver la cohérence de son monde. Or le cinéma et les séries ne vivent pas seulement de cohérence ; ils vivent d’élan, de mystère, d’images qui résistent. La saison 5 demande : faut-il tout relier ? Et si relier exige un détour par un autre médium, est-ce un enrichissement… ou un léger déplacement de l’œuvre, hors de son propre cadre ?
Passionné de cinéma depuis toujours, je consacre une grande partie de mon temps libre à la réalisation de courts métrages. À 43 ans, cette passion est devenue une véritable source d’inspiration et de créativité dans ma vie.
