A Beautiful Day(film) : casting, distribution, bande annonce et critique

Réalisé et scénarisé par la cinéaste écossaise Lynne Ramsay, A Beautiful Day constitue une adaptation du court roman You Were Never Really Here de l’écrivain américain Jonathan Ames, dont l’intrigue et le personnage central sont transposés à l’écran sous la forme d’un thriller à la fois minimaliste et psychologique (Source : Wikipédia, 2017). Ramsay signe ici son quatrième long métrage, après notamment We Need to Talk About Kevin, confirmant un intérêt récurrent pour des personnages fragilisés confrontés à la violence, traité cette fois à travers le point de vue d’un homme hanté par des souvenirs de guerre et de maltraitance (Source : Just A Word, 2017 ; Il était une fois le cinéma, 2018). Le film est coproduit par des sociétés britanniques et françaises, notamment Film4 Productions et Why Not Productions, ce qui explique sa double nationalité officielle Royaume-Uni/France et sa diffusion dans les circuits de festivals européens avant sa sortie commerciale (Source : Wikipédia, 2017 ; MUBI, 2017).

Le rôle principal est tenu par Joaquin Phoenix, qui incarne Joe, personnage taciturne, massif et en permanence au bord de la rupture, autour duquel se construit l’ensemble du dispositif narratif et visuel (Source : Wikipédia, 2017 ; IMDb, 2017). À ses côtés, le film réunit notamment Judith Roberts dans le rôle de la mère de Joe, ainsi qu’Ekaterina Samsonov, qui interprète Nina, la jeune fille disparue dont la recherche constitue le moteur apparent de l’intrigue (Source : Wikipédia, 2017). Le casting inclut également Alessandro Nivola et d’autres seconds rôles qui incarnent les figures politiques et criminelles gravitant autour du réseau de prostitution ciblé par Joe, renforçant la dimension systémique de la corruption décrite dans le film (Source : Wikipédia, 2017).

Sur le plan formel, A Beautiful Day s’appuie sur une photographie marquée par des éclairages contrastés et des décors urbains nocturnes, qui s’accordent avec la tonalité sombre du récit, même si les détails techniques précis de l’équipe (directeur de la photographie, chef monteur) sont moins mis en avant dans les sources généralistes consultées (Source : Wikipédia, 2017 ; IMDb, 2017). La durée du film est généralement indiquée à 85 minutes dans les bases de données françaises, tandis qu’IMDb mentionne 1h29, soit 89 minutes, traduisant de légères divergences selon les versions ou les arrondis de montage (Source : Cinémas Studio, 2017 ; IMDb, 2017). Le genre est unanimement classé comme thriller, avec une mention explicite d’une interdiction aux moins de 12 ans en France, en raison de la représentation de la violence et des thématiques liées à l’exploitation sexuelle et au traumatisme (Source : Cinémas Studio, 2017 ; AlloCiné, 2017).

Intrigue et thématiques

L’intrigue se concentre sur Joe, ancien militaire et vétéran profondément traumatisé, devenu tueur à gages spécialisé dans la recherche de personnes disparues, qui est contacté par un sénateur new-yorkais afin de retrouver sa fille Nina, présumée séquestrée par un réseau de prostitution adolescent (Source : Cinémas Studio, 2017 ; Dark Side Reviews, 2022). Le récit suit le parcours de ce personnage lorsqu’il infiltre le réseau, affronte les hommes chargés de la sécurité et découvre progressivement l’ampleur de la corruption impliquant des responsables politiques, ce qui le place au cœur d’une spirale de violence difficilement contrôlable (Source : AlloCiné, 2017 ; Dark Side Reviews, 2022). Parallèlement, son rapport ambigu à la mort et sa manière d’exercer la violence, en apparence méthodique mais traversée de moments d’empathie, structurent de nombreuses scènes clés, décrites par la critique comme marquées par une brutalité sèche plutôt que par un spectaculaire appuyé (Source : Just A Word, 2017 ; Il était une fois le cinéma, 2018).

Le film accorde une place importante à la subjectivité de Joe, notamment à travers des flashbacks, des hallucinations et des visions fragmentaires liées à son passé de combattant et à des épisodes de maltraitance, brouillant volontairement les frontières entre souvenirs, cauchemars et réalité immédiate (Source : Le Mag du Ciné, 2018). Selon plusieurs analyses, ce traitement du traumatisme s’inscrit dans la continuité du travail de Ramsay sur les fissures psychiques de ses personnages, mais ici transposé dans un cadre de récit criminel, où le motif de l’enfant à sauver fait écho à l’enfance abîmée du protagoniste (Source : Le Mag du Ciné, 2018 ; Il était une fois le cinéma, 2018). La structure narrative, elliptique et parfois volontairement lacunaire, privilégie les impacts sensoriels et émotionnels plutôt que la complétude de l’enquête, ce qui a nourri des lectures divergentes sur la façon dont le film articule thriller d’action et portrait psychologique (Source : Critikat, 2017 ; Le Mag du Ciné, 2018).

Les thématiques abordées recouvrent la violence systémique, la corruption politique, la prostitution de mineurs et les effets prolongés du stress post-traumatique sur les vétérans, des sujets explicitement mentionnés par les critiques qui insistent sur l’accumulation de motifs liés au deuil, à la solitude et à la maltraitance infantile (Source : Le Mag du Ciné, 2018). Plusieurs articles rappellent que le film a été, dès sa présentation à Cannes, rapproché de certains classiques du cinéma de vigilante, notamment Taxi Driver, comparaison relayée par des médias généralistes comme le Times et reprise dans la presse spécialisée française (Source : Dark Side Reviews, 2022 ; Il était une fois le cinéma, 2018). Toutefois, ces mêmes sources soulignent que la mise en scène privilégie une violence en creux, parfois hors champ, et une attention soutenue aux gestes et à la physicalité du personnage, ce qui inscrit l’œuvre dans une approche du thriller plus contemplative que démonstrative (Source : Il était une fois le cinéma, 2018 ; Le Mag du Ciné, 2018).

Production, diffusion et contexte de sortie

A Beautiful Day est coproduit par Film4 Productions et Why Not Productions, avec le soutien d’autres partenaires européens, ce qui permet au projet de bénéficier d’un financement croisé et d’une diffusion à la fois sur le territoire britannique et en France, où le film est exploité sous son titre français (Source : Wikipédia, 2017 ; MUBI, 2017). Le tournage débute à New York, ville qui sert de principal décor urbain au récit, même si les sources accessibles mentionnent peu de détails sur le découpage exact des lieux ou sur la durée de la production, le film ayant été finalisé dans un calendrier serré en amont du festival de Cannes (Source : Wikipédia, 2017 ; Il était une fois le cinéma, 2018). Plusieurs articles rappellent que le montage final a été achevé peu de temps avant sa projection cannoise, ce qui contribue à l’image d’un film présenté dans une version très récente, au plus près des choix de la cinéaste (Source : Il était une fois le cinéma, 2018).

Le film est projeté en compétition officielle au 70e festival de Cannes en 2017, où il reçoit deux prix majeurs : le prix du scénario, attribué à Lynne Ramsay, et le prix d’interprétation masculine, remis à Joaquin Phoenix pour son rôle de Joe (Source : Wikipédia, 2017 ; Just A Word, 2017 ; Il était une fois le cinéma, 2018). Ces distinctions contribuent à installer le film comme l’une des propositions marquantes de cette édition, même si le palmarès complet distingue également d’autres œuvres, ce que rappellent plusieurs bilans de festival (Source : Il était une fois le cinéma, 2018). La date de sortie commerciale en France est indiquée en novembre 2017, en cohérence avec la fiche technique référencée par AlloCiné et des exploitants de salles comme les Cinémas Studio, qui situent sa mise à l’affiche à l’automne de la même année (Source : AlloCiné, 2017 ; Cinémas Studio, 2017).

En termes de classification, le film est signalé comme interdit aux moins de 12 ans en France, classification explicitement mentionnée par certains distributeurs et plateformes de programmation, en lien avec la présence de scènes violentes et de thématiques sensibles (Source : Cinémas Studio, 2017 ; AlloCiné, 2017). Sur le plan international, A Beautiful Day circule ensuite dans différents territoires sous son titre original You Were Never Really Here, ce qui génère une double identification du film dans les bases de données, avec parfois une confusion autour de la durée exacte selon les pays (Source : IMDb, 2017 ; MUBI, 2017). Les sources consultées ne détaillent pas les chiffres précis du box-office, mais les plateformes de notation renvoient à une carrière principalement portée par le circuit des festivals, la critique et la réputation de son interprète principal (Source : IMDb, 2017 ; AlloCiné, 2017).

Réception critique et postérité

La réception critique d’A Beautiful Day s’avère contrastée, même si de nombreuses analyses insistent sur la singularité de la mise en scène et l’interprétation de Joaquin Phoenix, considérée comme un élément central de l’impact du film (Source : Le Mag du Ciné, 2018 ; Il était une fois le cinéma, 2018 ; Dark Side Reviews, 2022). Certains articles français le décrivent comme une œuvre radicale qui renouvelle en partie le thriller par son elliptisme narratif et sa focalisation sur l’état mental du protagoniste, quand d’autres soulignent une intrigue jugée classique, voire « affreusement » convenue, autour d’un justicier confronté à un réseau criminel, malgré une exécution formelle soignée (Source : Le Mag du Ciné, 2018 ; Critikat, 2017). Cette divergence se retrouve dans les notes moyennes sur les plateformes : AlloCiné recense une moyenne proche de 2,9 sur 5 pour les spectateurs français, tandis qu’IMDb indique un score d’environ 6,7 sur 10 à l’échelle internationale (Source : AlloCiné, 2017 ; IMDb, 2017).

Plusieurs critiques insistent sur le dispositif sonore et le montage, considérés comme des vecteurs essentiels de la tension et de la subjectivité, en mettant en avant la manière dont les flashbacks et les parallèles avec la réalité tissent un portrait morcelé du personnage (Source : Le Mag du Ciné, 2018). Des commentaires évoquent une « violence en suspension », où les coups et les meurtres, souvent montrés de façon indirecte, coexistent avec des moments de vulnérabilité, notamment dans les scènes qui montrent la relation de Joe avec sa mère ou avec Nina (Source : Il était une fois le cinéma, 2018). Quelques analyses, enfin, relèvent que le film explore de manière appuyée des motifs déjà présents dans de nombreux récits de cinéma sur les figures d’hommes brisés et solitaires, ce qui nourrit l’idée d’un film parfois jugé lourd dans son accumulation de traumas, tout en conservant une place singulière dans la filmographie de Lynne Ramsay en raison de son articulation entre intimité et genre (Source : Le Mag du Ciné, 2018 ; Critikat, 2017 ; Just A Word, 2017).

La place du film dans l’œuvre de Lynne Ramsay

Dans la trajectoire de Lynne Ramsay, A Beautiful Day intervient six ans après We Need to Talk About Kevin, long métrage remarqué pour sa représentation d’une relation mère-fils marquée par la violence et l’incommunicabilité, ce que soulignent plusieurs analyses qui établissent un parallèle entre les deux films (Source : Just A Word, 2017 ; Le Mag du Ciné, 2018). Les critiques mettent en avant la continuité thématique autour de personnages aux prises avec une souffrance psychique intense, qu’il s’agisse de figures maternelles ou ici d’un homme hanté par des souvenirs traumatiques, dans un cadre cette fois orienté vers le thriller urbain (Source : Il était une fois le cinéma, 2018). Tout en adoptant les codes d’un genre plus balisé, Ramsay y maintient une attention aux détails sensoriels et à la perception intime, ce qui l’inscrit dans une approche d’auteur au sein du cinéma de genre contemporain (Source : Le Mag du Ciné, 2018 ; Dark Side Reviews, 2022).

Le double prix obtenu à Cannes en 2017 renforce la visibilité de la cinéaste, déjà reconnue dans les circuits festivaliers, et confère à A Beautiful Day un statut de film marquant pour le cinéma d’auteur anglo-saxon de la fin des années 2010 (Source : Wikipédia, 2017 ; Il était une fois le cinéma, 2018). Plusieurs commentateurs signalent que l’étiquette de « Taxi Driver du 21e siècle », reprise par certains médias, a pu influencer les attentes du public, en plaçant d’emblée le film sous le signe de la comparaison avec un classique du Nouvel Hollywood, ce qui explique en partie les réactions contrastées à sa sortie (Source : Dark Side Reviews, 2022 ; Le Mag du Ciné, 2018). Néanmoins, la combinaison d’un dispositif formel resserré, d’une interprétation physique de Joaquin Phoenix et d’un traitement frontal de thèmes comme le PTSD et l’exploitation de mineurs contribue à faire de ce film une référence récurrente lorsqu’il est question de la représentation contemporaine de la violence traumatique au cinéma (Source : Le Mag du Ciné, 2018 ; Il était une fois le cinéma, 2018).