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Steven Spielberg voulait James Bond. Cubby Broccoli a dit non. Le cinéma d’aventure, lui, a répondu avec un fouet, un chapeau et un sourire de sale gosse.

Dans The Hollywood Reporter, Steven Spielberg raconte avoir proposé ses services à Albert “Cubby” Broccoli après le succès des Dents de la mer. Réponse : non. Il retente après Rencontres du troisième type, quand Broccoli veut utiliser les fameuses cinq notes dans Moonraker. Nouveau non. Spielberg donnera quand même son accord pour la musique. Classe, ou masochisme poli.

Bons baisers de la porte fermée

La chute est connue mais toujours délicieuse : Spielberg confie l’histoire à George Lucas en 1977, à Hawaï, et Lucas lui répond qu’il a “mieux que Bond”, un projet alors nommé Indiana Smith. Le nom changera, pas l’idée : Les Aventuriers de l’arche perdue débarque en 1981. Un refus de franchise a donc accouché d’une autre mythologie.

Le gag final est signé Spielberg lui-même. Interrogé sur l’idée de réaliser Bond aujourd’hui, il répond que la franchise ne pourrait pas se le payer. Pendant ce temps, The Hollywood Reporter rappelle que Denis Villeneuve doit prendre en main le prochain 007, première grande étape de l’ère Amazon MGM.

Jamais dire Dr. No

Ce qui pique, c’est d’imaginer le Bond spielbergien qui n’a jamais existé : gadgets plus enfantins, suspense plus géométrique, émerveillement plus frontal. Ou peut-être un mélange impossible, trop américain pour l’aristocratie froide de 007. Broccoli n’a jamais expliqué son refus, selon Spielberg.

Au fond, tant mieux. Sans ce mur, on aurait peut-être eu un Bond très chic. Avec ce mur, on a eu Indiana Jones courant devant un rocher géant. Parfois, Hollywood prend la bonne décision par accident. Ça arrive. Rarement.

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Le film s’ouvre sur une carte écrite avec un aplomb certain : « Certains de ces événements ont eu lieu ». C’est honnête et légèrement culotté. Gabriel Ripstein, petit-fils du producteur Alfredo Ripstein et fils du cinéaste Arturo Ripstein, proche collaborateur de Luis Buñuel, convoque une histoire assez dingue pour qu’on jurerait à un canular : en 1983, la Colombie est déjà désignée pays hôte du Mondial, et le Mexique n’a ni dossier, ni légitimité, ni moyens sérieux. Et pourtant, un homme décide que le Mondial 1986 se jouera chez lui et va convaincre la FIFA à coups de baratin, de réseaux et de valises bien garnies.

Ce type s’appelle Martín de la Torre. Il est joué par Diego Luna. Et c’est là que tout commence, et que tout se complique.

Luna, encore Luna, toujours Luna

Diego Luna livre ici ce qu’il sait faire de mieux : être Diego Luna, avec ce mélange de charme goguenard, de nervosité et de désinvolture qu’on suit depuis Y tu mamá también. Variety résume très bien l’affaire : « Diego Luna enlivens Gabriel Ripstein’s Mexico 86, a film that spans over a decade of shady soccer business, but doesn’t cut very deep. » Autrement dit, Luna porte le film sur ses épaules, mais le scénario ne lui donne jamais un terrain de jeu à la hauteur de son potentiel. Face à lui, Daniel Giménez Cacho campe Emilio Azcárraga, le magnat des médias mexicain surnommé « El Tigre », avec la densité qu’on lui connaît depuis Zama. Le duo fonctionne, mais le reste du casting navigue en mode service minimum.

Karla Souza hérite d’un rôle sacrifié : Susana, l’amoureuse lucide qui sert surtout à rappeler à Martín qu’il est un menteur compulsif. Le film lui offre quelques scènes intéressantes, mais la réduit finalement au contrepoint moral du héros, coincée entre deux séquences de négociation footballistique. On sent que Ripstein veut lui donner plus de poids, mais qu’il n’a pas la place, ou pas l’envie, de le faire vraiment.

Diego Luna face à la FIFA, « Vous voulez un chèque ou du cash ? »

République bananière du ballon rond

La jubilation du film tient surtout à la reconstitution des coulisses du football des années 80 : hôtels suisses feutrés, corridors de la FIFA, deals discrets dans les salons privés où se décide l’avenir d’un sport globalisé avant même le mot. La satire s’ouvre sur ce carton ironique et déploie ensuite une série de scènes où Martín navigue entre bureaucrates, dirigeants sportifs et politiques locaux avec un culot quasi suicidaire. Micropsia note que le film « se positionne intelligemment comme un récit qui observe, avec un certain scepticisme, la façon dont se fabriquent les Coupes du monde ». On est quelque part entre film de casse et comédie politique légère, avec un héros qui prend la FIFA en otage en lui faisant croire qu’elle garde le contrôle.

Ce qui manque, c’est la morsure. Variety regrette que le film « ne creuse pas très profond » malgré une décennie entière de magouilles à portée de main, alors même que les faits réels, les renoncements de la Colombie, la course de dernière minute pour trouver un pays hôte, la fragilité des infrastructures mexicaines, offraient un terrain de jeu quasi illimité pour une vraie charge. México 86, pour reprendre le titre original, se contente souvent de décrire la corruption plutôt que de la démonter, préférant la regarder avec un sourire en coin. On rit, on serre les dents deux secondes, puis on repart sur un clin d’œil de Luna.

Satire ou feel-good : il faut choisir

Les critiques anglo-saxonnes convergent : on est face à un film agréable, parfois très drôle, mais trop conciliant avec son propre sujet. Micropsia tranche : « Mexico 86 isn’t a great film, but it has the wit to position itself as a story that looks at how World Cups are made with a skeptical eye while still embracing the charm of its protagonist. » Le New York Times, dans un papier titré This Underdog Has Bags of Cash, insiste sur cette ambiguïté : le film célèbre un outsider qui gagne tout en payant tout le monde, sans jamais vraiment demander si la fin justifie les moyens. C’est là que la comédie politique se transforme en conte national un peu trop fier de ses entourloupes.

Le film refuse de choisir : soit il assume la noirceur, les compromis, la violence sociale derrière la fête, soit il s’abandonne au pur divertissement. Ici, il oscille. Les conséquences politiques restent hors champ, la population mexicaine n’existe pratiquement que comme foule de supporters, et les enjeux économiques se limitent à des discussions de bureaux. Quand on pense à tout ce que le Mexique a encaissé dans les années 80, crises, séismes, corruption systémique, il y avait matière à faire un film autrement plus acide.

Ripstein, chirurgien en sourdine

En apparence, Ripstein filme tout ça avec une grande modestie : pas d’effets voyants, pas de mise en scène hystérique, une caméra qui suit le mouvement naturel des corps et laisse respirer les dialogues. On sent le fils d’Arturo, la référence à un certain classicisme mexicain, mais aussi un désir de rester accessible pour le public Netflix qui va tomber sur le film un soir de semaine. La photographie ressuscite les années 80 avec soin, vestes oversized, salons fumants, bureaux surchargés, sans jamais tomber dans le cosplay clignotant. C’est propre, efficace, mais rarement inoubliable.

Le montage assure un rythme confortable : en 1h35, le film traverse une décennie de combines sans jamais sembler bâclé, mais sans non plus laisser beaucoup de place à l’ambiguïté morale. C’est la grande qualité et la grande limite de Ripstein ici : la structure narrative fonctionne comme une machine bien huilée, mais on ne sent jamais le moment où il accepterait de déraper un peu, de laisser la comédie se fissurer. Tout est sous contrôle, comme si le réalisateur ne voulait pas heurter ni les fans de ballon rond, ni ceux qui ne veulent pas se prendre un cours d’histoire politique en lançant Netflix.

Timing en or, film en demi-teinte

Le contexte de sortie est presque trop beau : le film arrive début juin 2026, juste avant une nouvelle Coupe du monde où le Mexique figure encore parmi les pays hôtes, comme en 1986. Netflix capitalise évidemment sur cette boucle temporelle, on ravive la fierté nationale en rappelant comment le pays a arraché une Coupe du monde à une FIFA surprise mais pas si réticente à être achetée. On est moins dans la dénonciation que dans l’autocélébration malicieusement amorale.

Pour le spectateur français, surtout si on a grandi avec les images du Mondial 86, Maradona et le but de la main inclus,, il y a un petit plaisir pervers à voir ce qui se tramait de l’autre côté des caméras. On se surprend à encourager Martín alors qu’il ment, manipule et arrose la moitié du globe, parce que le film ne cesse jamais de le présenter comme un type sympathique qui veut mettre son pays sur la carte du football mondial. C’est bourré de charme et de mauvaise foi soft. On rit, on sort content, on oublie vite ce qu’on vient de voir. Ce qui, pour une satire sur la corruption, ressemble quand même un peu à un aveu.

Fiche film
Le Mondial de Martín (titre original : México 86), Mexique, 2026. Réalisation : Gabriel Ripstein. Scénario : Gabriel Ripstein, Daniel Krauze. Avec : Diego Luna, Daniel Giménez Cacho, Karla Souza. Production : Gaumont. Distribution : Netflix. Durée : 1h35. Disponible sur Netflix depuis le 5 juin 2026.

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Film Netflix pensé pour un soir de semaine, Office Romance débarque avec Ol Parker à la mise en scène, le type de Mamma Mia! Here We Go Again, et un duo « star + mec drôle de série » comme le veut la formule maison. Jennifer Lopez incarne Jackie Cruz, PDG d’une compagnie aérienne baptisée Air Cruz, maniaque du contrôle et gardienne d’une politique anti-fraternisation qu’un séduisant avocat, Daniel, va évidemment faire exploser façon turbulence en plein vol. Sur le papier, c’est l’archétype de la rom-com de bureau : hiérarchie, règlement intérieur, libido sous Excel. En réalité, le film raconte moins un amour interdit qu’un énième bras de fer entre star image-contrôlée et machine de contenu Netflix. C’est là que ça devient intéressant, quand le film se prend lui-même en flagrant délit de corporate romance.

« Soft and cottony and just peculiar enough to be memorable », lâche Guy Lodge dans Variety, l’un des papiers les plus indulgents sur le film. Le New York Times parle d’un long-métrage qui essaie de caser « une saison entière de streaming en deux heures » avant de se vautrer à l’atterrissage. Sur Rotten Tomatoes, le score reste coincé dans la moyenne basse, autour de 48 % de critiques positives et une note moyenne aux alentours de 5/10, pendant que Metacritic affiche un tiède 50/100. Autrement dit : ça passe, mais on n’a pas payé un surclassement business. On est dans ce no man’s land où la rom-com ne s’effondre jamais complètement, mais ne décolle pas non plus.

Air Cruz, turbulences à l’horizon

Pour rappel, Office Romance repose sur un pitch aussi simple qu’un règlement intérieur : Jackie Cruz, PDG d’Air Cruz, dirige son entreprise avec une politique anti-fraternisation rigide comme un audit annuel, jusqu’à l’arrivée d’un nouvel avocat britannique qui transforme chaque salle de réunion en prétexte à tension sexuelle. La durée, un peu moins de deux heures, trahit déjà l’ambition du film : au lieu de la rom-com resserrée, Parker et ses scénaristes Brett Goldstein et Joe Kelly étirent la chose pour caser backstory familiale, enjeux de gouvernance, sidekicks comiques et mini-arc de rédemption pour à peu près chaque second rôle.

Le problème, comme le souligne Lisa Kennedy dans le New York Times, c’est que le long-métrage veut faire tenir une « saison complète de streaming » dans un seul film, avec des zigzags de personnages qui s’empilent sans véritable convergence. Le récit saute d’un couloir à l’autre, du board meeting à la crise intime, comme si chaque séquence était pensée pour un algorithme de rétention plus que pour une progression émotionnelle. On ne s’ennuie pas vraiment, mais on a constamment l’impression de regarder un best-of de série qu’on n’a jamais vue.

« While the romance here feels tenuous at best, the comedy is in even worse shape », tacle Monica Castillo pour The A.V. Club, qui pointe un humour souvent réduit à des confidences gênantes déguisées en punchlines. Le film insiste sur le côté « bureau trash » promis par Netflix, avec blagues sur le sexe au travail, oversharing à la machine à café et réunions qui vrillent en chaos hormonal, mais manque presque systématiquement de précision dans le timing comique. On sent l’envie de faire du classé R, nudité explicite, langage fleuri, contenu sexuel assumé, sans avoir les dialogues ciselés qui vont avec. Ça parle cru, mais ça ne coupe jamais vraiment.

« The film can’t escape all of the usual genre tropes or overt sentimentality, yet that’s tempered by a bawdy sense of humor », nuance Brian Truitt dans USA Today, qui voit dans ces dérapages burlesques une manière de compenser la prévisibilité de l’intrigue. Dans les faits, le film accumule les figures imposées, règlement brisé, espionnage interne, ultimatum du conseil, speech final, et joue la carte de la comédie grasse pour faire oublier qu’on connaît déjà le trajet. On rit parfois, on sourit souvent, mais on devine chaque virage dix minutes avant les personnages. Le scénario coche les cases comme un DRH qui remplit un formulaire de conformité.

Quand tu promets la romance interdite au bureau et que tu livres surtout un audit RH avec blagues graveleuses

J-Lo, reine du tableur émotionnel

Autre valeur sûre : Jennifer Lopez en patronne de compagnie aérienne n’est pas qu’un gimmick de casting, c’est un commentaire méta sur sa trajectoire de star-businesswoman. Nuyorican Productions, sa boîte, fait partie des producteurs du film aux côtés de Netflix Studios, ce qui renforce son rôle de figure de proue dans ce type de rom-com pensée pour le streaming. Comme dans ses projets autobiographiques et musicaux, la chanteuse-actrice se met en scène en PDG obsédée par le contrôle, tiraillée entre image publique et désirs privés, comme si chaque film devenait un nouveau chapitre de sa mythologie très contrôlée. Quand elle signe la politique anti-fraternisation de Jackie Cruz, on lit presque un accord avec Netflix entre les lignes.

Face à elle, Brett Goldstein, que les spectateurs série ont découvert via son travail de créateur sur Shrinking et sur Soulmates, co-écrit le scénario et incarne Daniel, l’avocat britannique qui vient bousculer la tour de contrôle Air Cruz. Netflix le met en avant comme un « gendre idéal un peu rugueux », celui qui apporte le grain de sel anglais et la vulnérabilité maladroite dans une comédie américaine très formatée. Le duo fonctionne par moments, quelques scènes atteignent ce niveau de complicité nonchalante qu’on attend d’une bonne rom-com, mais ne dépasse jamais totalement le stade de l’exercice de style. On sent plus les auteurs cocher « ennemis-à-amants » que deux corps qui se tombent dessus par accident métaphysique.

La distribution secondaire vient densifier l’open space : Betty Gilpin en collègue au franc-parler, Amy Sedaris et Tony Hale en satellites comiques, Bradley Whitford en figure d’autorité, Edward James Olmos pour la touche de gravité familiale. On reste dans la logique Netflix de sur-remplir les couloirs avec des visages connus de la télé, histoire que chaque spectateur ait au moins une « gueule » à reconnaître. Plus le film ajoute de personnages, plus le centre émotionnel se dilue, comme si chaque intervention venait parasiter la trajectoire principale de Jackie et Daniel. Ol Parker pilote un vol avec trop de passagers et pas assez de sièges côté émotion.

Quand tu engages un demi-open space de têtes connues mais que tu les laisses tous en roue libre au fond du cadre

La rom-com sous Excel

Dans la plus pure tradition de la comédie romantique américaine des années 2000, Office Romance recycle des motifs éprouvés, hiérarchie à franchir, règle à transgresser, prise de parole publique finale, mais les installe dans un environnement de travail ultra-codifié qui dit quelque chose de l’époque. Le film montre un lieu de pouvoir où tout est contractualisé, surveillé, quantifié, des risques de harcèlement aux clauses douteuses de la compagnie, et où l’amour devient un risque RH à gérer. Quand la PDG impose l’abstinence au bureau pour protéger l’entreprise, elle matérialise le fantasme d’un capitalisme qui voudrait neutraliser le désir pour ne garder que la productivité. La romance, ici, c’est le bug qui vient gripper la machine à profits.

Sauf que le film ne pousse jamais cet angle jusqu’au bout. La politique anti-fraternisation reste surtout un ressort comique, comment se toucher sans se faire choper par les caméras et les collègues, et rarement l’objet d’une vraie réflexion sur le consentement, les rapports de pouvoir ou la toxicité potentielle de ces romances hiérarchisées. Le scénario préfère accumuler les quiproquos et les scènes de confidences gênantes plutôt que d’explorer ce que ça signifie de tomber amoureux de son supérieur dans un espace saturé de règles. On est plus proche d’un fantasme de sitcom que d’une radiographie acide du bureau contemporain.

Sur le plan formel, Ol Parker joue la carte du confort visuel : photographie propre, mise en scène fluide et lisible, polish légèrement aseptisé qu’on associe désormais aux comédies Netflix. L’aéroport, les salles de réunion, les open spaces sont filmés comme des terrains de jeu chic, jamais comme des lieux de souffrance au travail ou de burn-out, malgré le statut de « bourreaux de travail » revendiqué par les personnages. On aurait aimé que le film ose la dissonance, croiser la comédie romantique avec la réalité toxique de certaines entreprises, plutôt que de lisser l’espace jusqu’à en faire un parc d’attractions corporate. Le bureau ressemble plus à un décor de publicité pour carte de crédit qu’à un vrai terrain miné.

Quand ton open space a l’éclairage d’un spa et le budget déco d’un film de super-héros

Netflix, ce n’est pas Nora Ephron

On ne peut pas regarder Office Romance sans penser à la stratégie comédie romantique de Netflix, qui enchaîne les projets à concept simple et casting vendeur, mais peine encore à produire de nouveaux classiques du genre. Le film incarne parfaitement cette logique : concept lisible en une phrase, star bankable, durée un peu trop longue, ton « plus salé que la moyenne » pour justifier le classement R, et résultat que les algorithmes recommanderont à l’infini sans que personne ne se batte pour le projeter en copie 35 mm dans vingt ans. On regarde, on commente, on passe à autre chose. Netflix a industrialisé la rom-com comme Air Cruz industrialise le transport aérien : efficace, mais rarement marquant.

Les chiffres critiques parlent d’eux-mêmes : score coincé autour de la moyenne sur Rotten Tomatoes, note médiane sur Metacritic, retours spectateurs plutôt partagés. Guy Lodge souligne que le film est « assez particulier pour être mémorable », mais la plupart des autres voix y voient surtout un pur produit de l’ère du streaming, où la comédie romantique devient un flux d’images confortables légèrement épicées, sans les fulgurances dramaturgiques ou la précision d’écriture d’une Nora Ephron ou d’un James L. Brooks. La question reste entière : combien de temps le genre va rester coincé dans cet entre-deux tiède, entre cynisme industriel et romantisme qu’on n’ose plus assumer frontalement ? Pour l’instant, Office Romance préfère la zone de turbulence modérée, sans crash… ni vol légendaire.

Bureau des cœurs mal rangés

Office Romance n’est ni une catastrophe industrielle ni la renaissance de la comédie romantique de bureau : c’est un film à l’image de son héroïne, maniaque du contrôle mais traversé par des envies de chaos qu’il finit toujours par recadrer. Quand le film lâche un peu la bride, quelques scènes où Lopez fissure le masque de PDG, un ou deux éclats burlesques qui rappellent ce que Goldstein peut faire de mieux,, on aperçoit ce qu’aurait pu être cette romance interdite si elle avait vraiment assumé la collision entre désir et corporate. Le reste du temps, on navigue entre tropes du genre, gags poussifs et sentimentalisme convenu, dans un confort qui frôle l’anesthésie. C’est la rom-com que tu laisses tourner pendant que tu plies ton linge, pas celle qui te donne envie de démissionner par amour.

Reste la question qui pique : combien de fois Netflix va rejouer cette partition avant de tordre la formule pour de bon ? À force de transformer la romance de bureau en produit d’appel pour abonnés, la plateforme risque d’oublier ce qui faisait la force des grandes comédies romantiques de cinéma : des personnages un peu tordus, des dialogues qui tranchent, et des choix narratifs qui acceptent de fâcher une partie du public. On se prend à rêver d’un Office Romance où la politique anti-fraternisation ne sert pas seulement de running gag, mais de véritable champ de bataille moral et affectif. Pour l’instant, on se retrouve avec une version sage, vaguement grivoise, qui fait le job comme un stagiaire appliqué un vendredi soir. Ce n’est pas un licenciement pour faute grave, mais on ne signe pas non plus un CDI dans ce bureau-là.

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Neuf nominations aux Oscars. Le record historique au box-office d’A24. Une campagne marketing délirante avec Timothée Chalamet surgissant dans les tournois de ping-pong new-yorkais comme un fantôme pop. Marty Supreme est partout. Il écrase la conversation. Il fait débat. Mais entre le battage médiatique et le vrai ressenti de ceux qui l’ont vu, que vaut vraiment ce film ?

La réponse n’est ni simple, ni consensuelle. Et c’est précisément ce qui le rend fascinant.

Un joueur de ping-pong ? Vraiment ?

Oui, et non. Sur le papier, Marty Supreme raconte l’histoire d’un jeune homme du Lower East Side de Manhattan dans les années 1950, employé dans la boutique de chaussures de son oncle, obsédé par une idée fixe : devenir champion du monde de tennis de table. Son personnage, Marty Mauser, est librement inspiré de Marty Reisman, véritable légende de ce sport aux États-Unis, figure à la fois culte et controversée de l’époque.

Mais le ping-pong n’est qu’un prétexte. Ce que Josh Safdie filme, c’est l’ambition dévorante. La manipulation comme mode de survie. Un homme prêt à mentir, voler, trahir — sa famille, ses amis, son amour — pour prouver qu’il existe. Le sport, c’est la métaphore. La balle qui rebondit encore et encore, sans jamais s’arrêter. Comme lui.

Josh Safdie en solo : la confirmation d’un génie ou le risque de trop ?

Josh Safdie n’avait pas réalisé de film seul depuis The Pleasure of Being Robbed en 2008. Dix-sept ans de silence en tant que soliste. Son frère Benny et lui avaient signé ensemble Good Time (2017) puis Uncut Gems (2019), deux œuvres qui avaient bousculé le cinéma américain contemporain avec leur tension continue et leur façon de filmer la panique humaine comme personne d’autre.

Avec Marty Supreme, Josh Safdie signe seul. Et la question que tout le monde avait en tête — est-ce que la magie vient du duo ? — semble avoir obtenu une réponse. Le film est aussi hyperkinétique, aussi étouffant, aussi foudroyant qu’Uncut Gems. Le Guardian parle d’un « sprint marathon de calamités ». La presse française y voit une mise en scène qui « épouse le tempérament du protagoniste tout en restant en parfait contrôle ». Ce paradoxe — le chaos maîtrisé — est précisément la marque Safdie.

« Marty Supreme confirme une nouvelle fois le talent brut de Josh Safdie et offre à Timothée Chalamet ce qui est, sans hésitation, sa meilleure performance à ce jour. »

Timothée Chalamet : enfin le rôle de sa carrière ?

Il y a des acteurs qui jouent des personnages. Et il y en a qui les habitent. Dans Marty Supreme, Chalamet fait la deuxième chose. À 30 ans, il décroche sa troisième nomination aux Oscars — un record pour un acteur masculin de cet âge depuis Marlon Brando. Lunettes d’intellectuel, moustache cinématographique, corps filiforme en perpétuel mouvement : son Marty Mauser est magnétique et insupportable à la fois.

Ce qui rend cette performance stupéfiante, c’est sa capacité à rendre un personnage profondément égoïste absolument irrésistible. On lui en veut. On veut qu’il réussisse. On lui pardonne avant de lui en vouloir à nouveau. C’est ce qu’on appelle un anti-héros total — et Chalamet l’incarne avec une précision presque terrifiante.

Et les seconds rôles ne sont pas en reste

Gwyneth Paltrow effectue un retour inattendu et remarqué dans le rôle de Kay. Loin des espaces bien rangés de sa marque de bien-être, elle est ici maligne, sensuelle, lucide — elle voit Marty mieux qu’il ne se voit lui-même. Son jeu est décrit comme « impeccable » par la presse britannique. Odessa A’zion, dans le rôle de Rachel, l’amour de jeunesse marié à un autre, livre quant à elle une prestation jugée phénoménale par de nombreux spectateurs. Le cinéaste culte Abel Ferrara et la comédienne Fran Drescher complètent un casting aussi éclectique qu’électrisant.

L’esthétique : quand le style devient personnage

Marty Supreme a été tourné en pellicule 35mm par le directeur de la photographie Darius Khondji — l’un des plus grands maîtres de la lumière du cinéma contemporain, qui a travaillé avec Fincher, Audiard ou encore Woody Allen. Le résultat est un New York des années 1950 reconstitué avec une précision obsessionnelle, du Lower East Side aux salles de tournoi internationales, sans jamais ressembler à un film en costumes.

La bande-son, composée par Daniel Lopatin (alias Oneohtrix Point Never, fidèle collaborateur de Safdie), déploie un rock synthétique anachronique des années 80 au cœur du film d’époque. Ce choix délibérément décalé crée une dissonance percutante : on n’est ni dans la nostalgie, ni dans le présent. On est dans un état de tension permanent, celui de Marty lui-même.

Ce que les chiffres racontent

Neuf nominations aux Oscars : mais face à qui ?

Marty Supreme n’est pas seul dans la course. Sa principale rivale à la cérémonie des Oscars 2026 est Sinners, de Ryan Coogler — qui écrase tout le monde avec 16 nominations, un record dans la catégorie. C’est le vrai duel de cette saison. D’un côté, la fièvre frénétique de Safdie. De l’autre, la puissance chorale de Coogler.

Pour Chalamet en particulier, la compétition est serrée : Leonardo DiCaprio (One Battle After Another), Ethan Hawke (Blue Moon) et Michael B. Jordan (Sinners) sont tous en lice pour le même Oscar. Mais la cohésion critique autour de sa performance dans Marty Supreme le place en favori naturel dans l’esprit de nombreux observateurs.

Alors, meilleur film de 2026 — ou simple phénomène de hype ?

La question mérite d’être posée honnêtement. Marty Supreme n’est pas un film universellement adoré. Certains spectateurs pointent un rythme trop frénétique, un personnage principal trop crispant pour deux heures trente de compagnie. Il y a une ligne fine entre l’inconfort voulu par Safdie — cet inconfort qui était aussi au cœur d’Uncut Gems — et l’hystérie gratuite. Pour une minorité, le film la franchit.

Mais pour la grande majorité des critiques et du public, Marty Supreme représente quelque chose d’assez rare : un film qui prend des risques réels. Il n’est pas sage. Il ne cherche pas à être aimable. Il choisit de vous placer dans la tête d’un personnage raté et fascinant pendant 149 minutes, sans filet. Dans un paysage cinématographique souvent dominé par la sécurité narrative, c’est presque un acte de résistance.

Le Figaro parle d’un film « habilement mis en scène, sidérant ». Slate.fr insiste sur le fait qu’il ne ressemble pas à ce qu’on attend d’un biopic sportif. La BBC le qualifie de « frais, drôle et exaltant ». Avec une telle convergence critique, difficile de le réduire à un simple objet marketing bien huilé.

Ce que le film dit de nous, au fond

Il y a dans Marty Supreme une question qui dépasse largement le ping-pong et les années 50 : jusqu’où sommes-nous prêts à aller pour être reconnus ? Marty Mauser n’est pas un héros du sport. C’est un miroir tendu vers tout ce que nos sociétés valorisent secrètement — l’ambition sans limite, la performance comme identité, la victoire à n’importe quel prix. Josh Safdie ne juge pas son personnage. Il nous laisse faire. Et c’est là que le film devient véritablement inconfortable.

Faut-il aller le voir ?

Si vous cherchez un film confortable, réconfortant, prévisible : passez votre chemin. Marty Supreme n’est pas fait pour vous. Si, par contre, vous voulez passer deux heures trente dans un état de tension électrique, portés par l’une des meilleures performances d’acteur de cette décennie, avec une photographie en pellicule qui classe le film parmi les plus beaux de l’année — alors oui, allez-y sans hésiter.

Meilleur film de 2026 ? La réponse appartient à chaque spectateur. Mais un film indispensable de 2026 ? Absolument.

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